Category: Espacio Cultural

  • Club cultura: Nuevo cine italiano en Rumanía

    Club cultura: Nuevo cine italiano en Rumanía

    Las proyecciones del festival se organizan en seis ciudades rumanas: Bucarest (del 3 al 9 de marzo, Cinema Muzeul Țăranului), Cluj-Napoca (del 13 al 16 de marzo, Cinema Victoria), Craiova (del 21 al 23 de marzo, Cinema Patria), Timișoara (del 27 al 30 de marzo, Cinema Studio), Iași (del 29 al 30 de marzo, Cinema Ateneu) y Sibiu (del 28 de mayo al 1 de junio), dentro de una sección especial del «ESTE Film Festival».

    «Este año volvemos a utilizar, actualizándola, la exitosa receta de ediciones anteriores: directores consagrados y debutantes, personalidades femeninas cada vez más presentes y originales, una incursión en el mundo del cine documental y en el diversificado mundo del cortometraje. Nuestro propósito es presentar al público lo mejor del cine rumano reciente, revelando la modernidad de nuestro cine a través de historias contemporáneas y de un lenguaje cinematográfico creativo y nunca banal», afirma Laura Napolitano, directora del Instituto Italiano de Cultura de Bucarest.

    Uno de los platos fuertes del Festival es el preestreno de «Queer», el último proyecto del aclamado director Luca Guadagnino, una audaz adaptación de la novela de culto de William S. Burroughs.

    Simona Rădoi, responsable de relaciones públicas del Festival, nos amplía detalles:

    «Queer», distribuida en Rumanía por Transilvania Film, se estrena en cines el 21 de marzo. Lo que hace que la película sea un éxito es, ante todo, el hecho de que el papel principal lo interpreta Daniel Craig, a quien nunca antes habíamos visto en un papel así. En ella, encarna a un expatriado estadounidense en la Ciudad de México de los años cincuenta, un hombre que lleva una vida solitaria y alcoholizada, perturbada por su encuentro con una joven estudiante. La banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, su tercera colaboración con Guadagnino, es magnífica. En ella se incluyen muchos temas conocidos, desde Nirvana hasta Sinéad O’Connor. Obviamente, «Queer» también está considerada una de las películas más atrevidas y personales de Luca Guadagnino.

    Otra película del programa del Festival es «Io sono l’amore», la que consagró a Guadagnino en la escena internacional. Es una película que combina una exquisita estética inspirada en Luchino Visconti con una poderosa historia sobre la identidad y el deseo. Cabe destacar que Tilda Swinton, protagonista y coproductora, forma parte del reparto. La banda sonora de la película es también notable, el vestuario está diseñado por Raf Simons para Jil Sander y los personajes masculinos visten Fendi. Y, hablando de Luca Guadagnino, mencionaré también que en el Festival se proyectó una pequeña joya: «Diciannove/Diecinueve», una audaz ópera prima de un joven director, Giovanni Tortorici, inspirada en el célebre realizador. Su película, coproducida en realidad por Guadagnino, cuenta la historia de un joven que, como hicimos todos en nuestra época de estudiantes, se permite vagar para encontrar su camino en la vida. Y, además de ser muy conmovedora y estar bien escrita, esta película nos lleva a todo tipo de hermosos lugares, desde Palermo hasta Londres».

     

    El Festival «Visuali Italiane» va más allá del cine de ficción clásico y explora otras formas cinematográficas, como los documentales y los cortometrajes, incluidos en el programa «Dove si va da qui?».

    Simona Rădoi, responsable de relaciones públicas del Festival, nos ofrece más detalles al respecto:

    «Este año tenemos un avance de la 18 ª edición de One World Romania. Se trata del documental creativo «Real», de Adele Tulli, una fascinante exploración del mundo digital y de cómo la tecnología está cambiando nuestras vidas y nos plantea preguntas esenciales sobre la realidad en la que vivimos. Lo que me pareció muy interesante es que la autora se inspiró en unas imágenes de CCTV. Los personajes de la película son gente corriente, pero todos viven en el mundo digital: streamers (realizadores de transmisiones en directo), y gamers (jugadores de videojuegos) profesionales, personas que construyen mundos virtuales o viven a través de la IA».  

    La inauguración del Festival en Bucarest, en el Cinema Muzeul Țăranului, estuvo marcada por la proyección de la película «Vermiglio, la novia de la montaña», dirigida por Maura Delpero. La película, ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y candidata de Italia a los Oscar 2025, narra una conmovedora historia de supervivencia y vínculos humanos en 1944 y destaca por la autenticidad de los paisajes y la profundidad de los personajes. La distribuidora Culoar Films estrenó la película en Rumanía el 7 de marzo.

    Versión en español: Victoria Sepciu

     

  • Dana Păpăruz, una artista multipremiada

    Dana Păpăruz, una artista multipremiada

    Dana Păpăruz comenzó su carrera como diseñadora de vestuario a principios de la década de 2000, inmediatamente después de graduarse en la Facultad de Artes Decorativas y Diseño de la Universidad Nacional de Artes. Colaboró en numerosas películas y cientos de anuncios. Más allá de las colinas (dirigida por Cristian Mungiu), La Gomera (dirigida por Corneliu Porumboiu), RUXX (dirigida por Iulia Rugina y Octav Gheorghe), Boss (dirigida por Bogdan Mirică), Sombras (dirigida por Igor Cobileanski y Bogdan Mirică), Warboy (dirigida por Marian Crișan) y Lemonade (dirigida por Ioana Uricaru), son algunas de ellas. Por sus logros, Dana Păparuz recibió tres premios Gopo: en 2016 y 2017 por las películas dirigidas por Radu Jude, Aferim! y Corazones cicatrizados, y en 2019 por La familia Moromete 2, la segunda parte de la trilogía La familia Moromete dirigida por Stere Gulea.

    Las dos películas de Radu Jude, Aferim! y Corazones cicatrizados, representaron dos grandes desafíos para la artista. Si la acción en Aferim! (película galardonada con el Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival de Cine en Berlín) se lleva a cabo en Valaquia a principios del siglo XIX, Corazones cicatrizados cuenta la historia de un joven enfermo de tuberculosis y es una adaptación libre de la obra literaria de Max Blecher.

    Dana Păpăruz nos ofrece más detalles:

    «”Aferim!” fue un proyecto muy díficil, creo que fue el proyecto que de alguna manera aumentó mi valor propio. En “Corazones cicatrizados”, el presupuesto fue menor que en “Aferim!” y representó un nuevo reto porque la acción se desarrolla en una época totalmente diferente. Fue necesaria una estrecha colaboración entre los departamentos de maquillaje y escultura que crearon las escayolas que llevaban los personajes de la película. Sufrían de tuberculosis ósea y tenían que estar tumbados en camas móviles. Por lo tanto, sus vidas eran bastante aburridas, las pasaban principalmente en sanatorios y el movimiento también estaba limitado. El mayor desafío fue crear el vestuario de acuerdo a estos moldes, así que tomé las medidas y la mayoría de los trajes de este proyecto los creó mi equipo, muy pocos fueron alquilados. Para el vestuario del personaje que interpretó Ivana Mladenovic, Solange, se invirtió mucho, aproximadamente la mitad del presupuesto que teníamos, y se crearon algunos sombreros muy especiales, incluido ese sombrero de pájaros. El período en el que se desarrolla la acción de “Corazones cicatrizados”,  es el período de entreguerras, muy prometedor desde el punto de vista de la moda, cuando también había una sincronización y un deseo de adoptar la moda europea. Todos estos aspectos me ayudaron a usar mi imaginación al máximo. Además, “Corazones cicatrizados”,  fue uno de los proyectos en que pude innovar y aprecié que Radu Jude me permitiera  aportar ideas audaces. Y ya que estábamos hablando del sombrero de pájaros que llevó Ivana Mladenovic, un buen ejemplo es precisamente ese sombrero. Lo que me inspiró a crearlo fue una portada de la revista “Vogue” de 1939. Se la enseñé al director Radu Jude, quien aceptó mi idea y luego buscamos variantes para poder realizarla. Para realizar el vestuario utilicé todas las informaciones que encontré sobre la época, revistas de moda, fotografías hechas por artistas rumanos y, por supuesto, libros».

    Otra colaboración importante para la carrera de Dana Păparuz fue con el director Cristian Mungiu, quien la contrató como diseñadora de vestuario para la película Más allá de las colinas, estrenada en 2012. Escrita, dirigida y producida por Cristian Mungiu, la película está inspirada en las novelas de no ficción de la escritora Tatiana Niculescu, que tematizan el caso del exorcismo de una monja del monasterio de Tanacu, en el distrito de Vaslui.

    Dana Păpăruz nos lo cuenta:

    «Al principio, “Más allá de las colinas” no pareció ser una película muy complicada en cuanto al vestuario. Además, Cristian Mungiu suele darte toda la libertad y espera a que le aportes ideas. Pero lo complicado, a lo que no nos esperábamos, fue que los personajes llevaban trajes específicos y es muy difícil documentar algo así in situ, en un monasterio, un entorno muy cerrado. Sin embargo, tuvimos la suerte de que las actrices en los papeles principales pasaron un tiempo en un monasterio y esto nos ayudó mucho a entender lo que significa la vida monástica. Así que Dana Tapalagă, la intérprete de la abadesa del monasterio en la película, trató de encontrar detalles que nos fueran muy útiles, por ejemplo, cómo se cubre la cabeza con el velo que las monjas deben llevar permanentemente».

    La colaboración más reciente de Dana Păparuz fue con el director Stere Gulea, quien estrenó a finales del año pasado La familia Moromete 3, una película que concluye una trilogía única en el cine rumano, basada en las novelas y la vida del escritor Marin Preda.

    Dana Păpăruz aporta más detalles al respecto:

    «Es una película que explica a un nivel profundo los cambios que el período de los años 50 trajo a Rumanía. También es una película que se llevó a cabo  con mucha dedicación y mucho trabajo. Fue un proyecto muy difícil para mí, no tuve ni un solo día libre durante el rodaje, estuve trabajando incluso en casa o leía una nueva versión del guión. Es también una película en la que los personajes usan trajes diferentes y creo que especialmente para los jóvenes espectadores podría ser una historia sorprendente».

    Ganadora del Premio del Público en el TIFF / Festival Internacional de Cine de Transilvania 2024, La familia Moromete 3 se dio a conocer en varios festivales de cine nacionales (TIFF, TIFF Chisinau, Noches de Cine Rumano – Iași, Cine de pueblo – Peștișani, TIFF Timișoara).

    Versión en español: Mihaela Stoian

  • Club Cultura: Nina Cassian regresa a la editorial Casa Radio

    Club Cultura: Nina Cassian regresa a la editorial Casa Radio

    El exitoso audiolibro Dans (Baile), compuesto por un libro y un cd con poemas leídos por Nina Cassian, ha sido reeditado por la editorial Casa Radio, en una edición sustancialmente ampliada, con nuevos poemas leídos por la autora y una entrevista sobre su obra y la emigración, realizada por el periodista Emil Buruiană.
    El nuevo audiolibro se produjo en el contexto del centenario del nacimiento de Nina Cassian, el año pasado, e incluye 51 poemas pronunciados por Nina Cassian en la Radio entre 1959 y 2003. El prefacio es de Cosmin Ciotloș y las ilustraciones de Tudor Jebeleanu.

    Ensayista, traductora, compositora y artista visual, Nina Cassian procede de una familia judía. De adolescente frecuentó círculos intelectuales de izquierdas y a los 16 años ingresó en la entonces ilegal organización juvenil comunista, soñando con «salvar al mundo de todos los antagonismos fundamentales entre sexos, razas, pueblos, clases». Debutó en el mundo editorial en 1947 con un volumen de versos surrealistas titulado A escala 1/1, pero a raíz de un ataque ideológico contra ella en el periódico Scânteia, empezó a escribir poco a poco poesía de corte proletario. «Tras un desvío de unos ocho años», como ella misma dice, volvió a la poesía auténtica y empezó a escribir literatura infantil. Como traductora, ha realizado notables traducciones de Shakespeare, Bertolt Brecht, Christian Morgenstern, Iannis Ritsos y Paul Celan.

    La historia de dos cachorros de tigre llamados Ninigra y Aligru, un magnífico poema infantil, le valió el Premio de la Unión de Escritores Rumanos en 1969. En 1985, durante su estancia en Estados Unidos como profesora visitante en la Universidad de Nueva York, se entera de la detención y asesinato en prisión del disidente Gheorghe Ursu, íntimo amigo suyo, en cuyo diario, confiscado por la Securitate, se la mencionaba con sus opiniones políticas «obviamente anticaucásicas». Permaneció en Estados Unidos mientras su apartamento en Rumanía era confiscado y sus libros prohibidos y retirados de las bibliotecas hasta la caída del régimen de Ceausescu. En Estados Unidos publicó traducciones de poemas escritos en rumano (Life Sentence), así como poemas escritos directamente en inglés (Take My Word for It!, Blue Apple y Lady of Miracles), por los que ganó en 1994 el premio León de Oro de la Biblioteca de Nueva York.

    Los últimos 30 años de su vida los pasó en Nueva York, donde escribió sus memorias, que consideraba un «gran proyecto de su edad y de su vida», un reflejo de sus «años robados y regalados». Tituladas Memorias como dote, los tres volúmenes se publicaron en Rumanía entre 2003 y 2005. El crítico literario Cosmin Ciotloș, editor de la reciente edición del audiolibro Dans, el director Alexandru Solomon y el escritor Călin-Andrei Mihăilescu asistieron a la presentación organizada por la editorial Casa Radio. Cosmin Ciotloș habló de la longevidad de la poesía de Nina Cassian.

    «Lo que me ha interesado mucho es la poesía rumana actual de Nina Cassian. Y cuando digo hoy, pienso en un amplio abanico. Me ha llamado la atención que, por ejemplo, los numerosos juegos de la poesía de Florin Iaru tienen deudas legítimas, bellas y nobles con la poesía de Nina Cassian. Que los poemas de Mircea Cărtărescu en los volúmenes Una noche en la ópera y Levante, dirigidos a Ion Barbu, no van directamente a Ion Barbu, sino que pasan por el filtro de Nina Cassian. Lo que, he aquí, es un acto de longevidad. Me llamó la atención, por otra parte, que los poetas muy jóvenes de hoy no están menos en sintonía con la poesía de Nina Cassian. Son jóvenes en los que tengo una gran confianza porque están agitando un poco las aguas demasiado turbias y demasiado vehementemente viscerales de mi generación de poetas, a los que aprecio pero hacia quienes no siento gran admiración. Me refiero en particular a los que publican en la plataforma Mafia Sonetelor, los jovencísimos Ioan Coroamă, Florentin Popa o Mihnea Bâlici, jóvenes en los que, repito, deposito mis esperanzas. Así pues, creo que nuestra reacción ante lo que Nina Cassian ha dejado de importante en poesía debe estar lejos de la mera admiración con los ojos cerrados. Es una poesía que necesita ser filtrada racionalmente, documentada cuanto sea necesario, y al final de esta documentación, más allá de posiciones éticas más o menos sentenciosas, podemos ver que estamos ante una fórmula estilística viva. Una fórmula estilística que sigue siendo productiva, y esto no se debe a la longevidad de Nina Cassian, sino por la longevidad de su inteligencia».

     

    Instalado en Canadá desde finales de los años ochenta, el escritor Călin Andrei Mihăilescu conoció a Nina Cassian en la localidad de 2 Mai, junto al mar Negro, donde solía pasar los veranos, y luego, décadas más tarde, en Nueva York.

     

    «Este es un audiolibro, así que puedes escuchar a Nina en la radio entre finales de los 50 y principios de los 2000. Y puedo decir que la voz de Nina Cassian está muy, muy alta si la pones en un panteón de grandes voces rumanas. Era una voz educada. Era una voz extremadamente inteligente, refinada y al mismo tiempo erótica. Conocí mejor a Nina en Nueva York en los últimos 20 años de su vida.

    En una época solía ir una vez al mes a hacer talleres de escritura creativa, a veces en rumano, a veces en inglés, a veces en los dos idiomas. Hice estos talleres con Nina, que tenía una botella de whisky de la peor calidad, pero normalmente de un litro, y podía poner a cualquiera debajo de la mesa. También era evidente que fumaba más que yo y, créanme, yo fumo. Nina era una diva. Una diva que vivía en un bloque de apartamentos relativamente mísero en Roosevelt Island, una isla en el East River, en la que Nina resistió la tentación de arrojarse, sin seguir el ejemplo de Paul Celan o Gerasim Luke, que se suicidaron arrojándose al Sena. Todo era humedad en aquella zona, aparte de su apartamento, que estaba lleno de revistas, se podían encontrar muchos números de Gazeta Literară y România Literară. También estaba el famoso Paris Match de 1968, el que escribió sobre la visita del general De Gaulle a Bucarest».

     

    Muy emotiva fue también la evocación del director de cine Alexandru Solomon, quien, durante la presentación, proyectó un cortometraje que realizó cuando era adolescente. Nina Cassian y la madre del director, la pintora y profesora de historia del arte Yvonne Hasan, se sorprenden en el metraje rodado en Vama Veche, junto con el grupo de artistas del que formaban parte.

    Versión en español: Antonio Madrid

  • Club Cultura: El espectáculo teatral «Horror Vacui»

    Club Cultura: El espectáculo teatral «Horror Vacui»

    El evento teatral de mayor duración mundial tuvo lugar en Bucarest, del 15 al 22 de febrero de este año, en la Galería de Arte Galateca, en el centro de Bucarest.

    En total fueron 7 días, las 24 horas del día, y contó con 505 actores (3 actores por hora) y 505 textos sobre el vacío y el abandono; el proyecto se titula Horror Vacui (traducido como fobia al vacío), y acaba de tener su estreno teatral mundial tras contar con el apoyo del Museo del Abandono y de Papercuts (iniciativa para el cambio cívico).
    Esta representación teatral pretendía mediar emocionalmente y al mismo tiempo hacer un llamamiento al reconocimiento de una parte del pasado traumático de Rumanía: el abandono de niños en nuestro país y la historia de este fenómeno en los periodos comunista anterior a 1989 y poscomunista. Más de un millón de niños fueron abandonados durante el régimen comunista, convirtiéndose en víctimas del sistema que los convirtió en «hijos de nadie».

    Se trata, entonces, de una propuesta para fomentar el cambio social a través de una mayor resiliencia cultural y cívica. El actor, dramaturgo e iniciador del proyecto Horror Vacui, Alexandru Ivănoiu, nos habló de su inspiración:

     

    «Es una pregunta que me hacen mucho últimamente, y parece que cada día de actuación encuentro una nueva respuesta. Hoy me he dado cuenta de que también he creado esta representación para que mis compañeros actores pudieran estar más juntos, más unidos, para llegar a vernos más allá quizá de algún tipo de diferencias estéticas o políticas entre nosotros. También tenía curiosidad, creo, por saber si podríamos reunir a más gente, al menos a 500 personas, en torno a un proyecto, en torno a una idea. Esto en un momento en el que me parece tan fácil encontrar diferencias y aún más fácil convertir esas diferencias en razones de peso para no estar con alguien o para evitar a alguien en el trabajo. Y creo que, claro, como hay toda esta dimensión del abandono explorada en cada historia y como exploramos lo contrario del abandono, creo que así es como nosotros, como artistas, también exploramos nuevos formatos y momentos en los que es más importante lo que hacemos juntos que lo que hacemos individualmente».

     

    Los textos utilizados en el evento-performance Horror Vacui se basan en testimonios e historias archivadas por el Museo del Abandono o en textos de autores contemporáneos. Esbozan una meditación colectiva sobre el reconocimiento del pasado y la reconstrucción del futuro. Además, esta iniciativa pretende crear un espacio íntimo y permanente de diálogo para encontrar soluciones. Alexandru Ivănoiu nos habla de los antecedentes de este proyecto:

     

    «Podemos hablar de un mínimo de 253 ejemplos, testimonios, fotografías, materiales, en una palabra, aquello que el Museo del Abandono nos cedió para incluir en Horror Vacui, con el resto de los elementos en los que basamos esta performance que consiste en textos escritos por autores contemporáneos, textos donados y testimonios recibidos de otras ONG u otros actores sociales y culturales que están luchando contra el abandono. Así que fue un despliegue de fuerzas más allá de contar con los 505 actores. Y en relación a los textos, aprovechamos para dar las gracias y estamos profundamente agradecidos al Museo del Abandono, porque basándonos en su trabajo de archivo pudimos crear la nueva vida de esta representación».

     

    ¿Cuáles fueron los mayores retos a los que se enfrentó el proyecto?

     

    «Los principales retos, evidentemente, estuvieron relacionados con la programación. Es muy difícil encajar los programas de 500 actores, y muy a menudo hay, por la grandeza de este proyecto, una cantidad limitada de tiempo, pero al mismo tiempo, la paradoja es que no creo que hubiera habido un mejor momento para llevarlo a cabo. Así que conseguir 500 actores en dos meses resultó complicado, pero no imposible».

     

    Alexandru Ivănoiu, iniciador del proyecto Horror Vacui, nos cuenta cuál era el objetivo de los organizadores:

     

    «Lo que queremos conseguir con este empeño es ante todo, por supuesto finalmente, un cambio legislativo. Que haya una comisión que documente e investigue los actos de abuso contra los niños institucionalizados desde 1966 hasta el 2007, que es algo que nosotros, Papercuts y el Museo del Abandono y varias ONG del sector estamos pidiendo formalmente. Queremos investigar para tener un acta que nos diga claramente cuántos, quiénes y cómo. Porque creemos que solo a partir de este hecho podremos generar cambios. Y hasta que haya recompensas, otros cambios o medios punitivos, creo que un reconocimiento es el mayor paso hacia la curación y es algo que resulta tan sencillo de hacer».

     

    Alexandru Ivănoiu también nos habló de quienes participaron en la realización del proyecto teatral y de la reacción del público ante el proyecto Horror Vacui:

     

    «En general, la gente que ha participado en el proyecto ha respondido muy positivamente. Quiero decir que hemos disfrutado de una red de voluntarios y actores de mente abierta, que han transmitido información, también han hablado bien de la idea y creo que a su vez son mensajeros junto con nosotros de la misión que tenemos. La reacción del público es muy agradable. Creo que lo más edificante es que tenemos audiencias a las 5 de la mañana, a las 4 de la madrugada. La gente se levanta para ver a sus amigos, familiares, colegas y luego se queda a ver a otros. Y durante la noche se actúa. Se crea una pequeña comunidad, que es algo especial».

     

    Versión en español: Antonio Madrid

  • Club Cultura: Arqueología digital

    Club Cultura: Arqueología digital

    La exposición es un fascinante viaje virtual al pasado de la capital, la ciudad de Bucarest de los siglos XV al XIX. Una nueva visión de cómo se desarrollaba la vida cotidiana y la evolución de la ciudad de Bucarest. La comisaria de la exposición, Alina Streinu, nos habla de la exposición y del proyecto que la sustenta:

    «La exposición nació en el marco de un proyecto cofinanciado por la AFCN, con el mismo tema, la historia medieval de Bucarest desde la perspectiva de la cerámica. El proyecto se llevó a cabo en colaboración con colegas del Instituto del Patrimonio Nacional y el objetivo era valorizar los hallazgos cerámicos procedentes de contextos arqueológicos de zonas emblemáticas de Bucarest. Así, hemos seleccionado del patrimonio del MMB las vasijas que consideramos representativas, que proceden de estos yacimientos urbanos y que, sin embargo, creemos que muestran algo de la vida doméstica de los habitantes de Bucarest en los siglos XVII, XVIII y XIX».

    ¿Qué tipos de vasijas se encontraron en las excavaciones arqueológicas que sirvieron de base a la exposición del MMB? ¿De dónde proceden y qué información nos traen?

    «En el transcurso del proyecto, nos dimos cuenta de que la mayoría de las vasijas, los objetos de cerámica que se descubrieron, son principalmente vasijas de cocina, vasijas para cocinar, vasijas para servir. La cerámica de cocina es obviamente bastante uniforme, son similares en muchos aspectos. Pero hay algunas diferencias muy interesantes, decimos, en la cerámica de servir. Por ejemplo, tenemos jarras que son muy parecidas a las que se utilizaban en el Imperio Otomano. Tenemos jarras de cerveza muy parecidas a las utilizadas en la zona germánica. Tenemos jarras de agua mineral y otros objetos pequeños que proceden de la importación y son el resultado de las relaciones comerciales entre Țările Române y las grandes potencias comerciales de la época.»

    Alina Streinu también nos habla del componente digital de la exposición del Palacio Suțu, a saber, el sitio web mmb.cimec.ro, el catálogo digital de las investigaciones arqueológicas relacionadas con la cerámica descubierta en la capital. Las investigaciones arqueológicas llevadas a cabo por el MMB comenzaron en la década de 1950 y continúan hasta nuestros días, sacando a la luz objetos que completan la historia escrita de Bucarest. Alina Streinu:

    «El proyecto y la exposición también están vinculados al lanzamiento de un sitio web en mmb.cimec.ro, donde se presentan los resultados de este proyecto. Hay imágenes de 300 objetos cerámicos del patrimonio del Museo Municipal de Bucarest, 150 de los cuales han sido escaneados en 3D por colegas del Instituto del Patrimonio Nacional, y también tenemos imágenes del archivo del Museo Municipal de Bucarest de investigaciones arqueológicas de los años 50, 60 y 70 en estos hitos arqueológicos urbanos de Bucarest publicadas en línea en este sitio.»

    La comisaria Alina Streinu nos cuenta cuál era la intención de la exposición «Arqueología digital» en el MMB:

    «Una de las ideas motrices de este proyecto y de la exposición era atraer a un público nuevo, por lo que también utilizamos estas nuevas técnicas para valorizar el patrimonio, como la tecnología 3D para promover el patrimonio. Al utilizar estas nuevas técnicas que nos parecen absolutamente relevantes e importantes para la documentación correcta y coherente de los objetos del patrimonio, al acercarnos a estos nuevos ámbitos, también podemos atraer a un público más joven. Al final del proyecto tuvimos incluso un taller en la Facultad de Historia, donde presentamos todos los materiales que formaron parte de este proyecto, del proyecto de exposición, pero los colegas más jóvenes, los estudiantes, estuvieron sumamente interesados en esta parte 3D. Cómo se realizaron los modelos 3D y todo el proceso que hay detrás. Así que hay un interés real por parte de jóvenes especialistas que esperamos que sigan en este campo y con los que trabajaremos en el futuro para la evolución y el desarrollo de estas nuevas técnicas de documentación y promoción del patrimonio.»

    Al final de nuestra conversación, Alina Streinu nos dio una visión general de los yacimientos arqueológicos de la capital de los que proceden los objetos de la exposición del MMB:

    «Gran parte de las vasijas digitalizadas y expuestas en línea y en la exposición, que aún puede visitarse en el Palacio Suțu, proceden de investigaciones realizadas en el perímetro de las calles del actual Casco Antiguo, el centro histórico de Bucarest, investigaciones coordinadas en su mayor parte por arqueólogos del Museo Municipal de Bucarest, pero también otras investigaciones en zonas como el Palacio Cotroceni, la Colina Radu-Vodă y la iglesia de San Nicolás Udricani. La última excavación es una de las más recientes».

     

  • Club Cultura: Bianca Boeroiu, galardonada con un Emmy

    Club Cultura: Bianca Boeroiu, galardonada con un Emmy

    Bianca Boeroiu, una de las maquilladoras rumanas más conocidas, ha ganado el premio Emmy 2023 al mejor maquillaje contemporáneo. El prestigioso galardón le ha sido concedido por su maquillaje para la serie de televisión Wednesday, dirigida por Tim Burton, producida por Netflix y rodada en Rumanía con varios artistas y técnicos rumanos. La artista ha puesto su firma en numerosos anuncios publicitarios y vídeos musicales, y ha colaborado con actores famosos como Samuel L. Jackson, Michael Keaton y John Malkovich. En Rumanía cuenta ya con 3 estatuillas GOPO (los principales premios del cine en Rumanía) y 9 nominaciones por películas como Cuando quiero silbar, silbo; Loverboy, Un paso detrás de los serafines, Funerales felices, Aferim, Campo de amapolas y No esperes demasiado al fin del mundo.

    Bianca Boeroiu nos contó cómo llegó a participar en la realización de Wednesday y cómo se documenó para la realización de su maquillaje:

    «La colaboración con Tim Burton surgió tras una entrevista que tuve con el diseñador de este proyecto. Así fue como acabé trabajando en el equipo que maquillaba a los actores, junto a colegas de Inglaterra y colegas de Rumanía. Maquillé a muchos de los personajes, a la mayoría de los compañeros de Wednesday, me refiero a la Nevermore Academy. También maquillé al alcalde de la ciudad y a un personaje muy importante, Eugene, uno de los alumnos más raros de Nevermore Academy y presidente del club de apicultura de la escuela. De hecho, casi todos los personajes de la serie fueron maquillados por mí, excepto, por supuesto, los actores famosos, que fueron maquillados por el diseñador de este proyecto, y la protagonista de la serie, Jenna Ortega, que tuvo su maquillador personal. En la parte documental de un proyecto así, el director ya tiene una visión de los personajes. Por supuesto, también leemos el guión, tenemos sesiones de producción y luego pruebas. Si se trata de una producción de época, es un reto adicional para nosotros, pero también para una película contemporánea, el maquillaje es muy importante. En el caso de Wednesday, los personajes estaban bastante bien moldeados por el diseñador de la serie y el director Tim Burton, pero nosotros tuvimos contribuimos».       

    A principios de año, Bianca Boeroiu asistió a los premios Emmy:

    «Conseguí ir y estoy muy contenta de haberlo hecho. Fue una gran experiencia, espero tener la oportunidad de volver a asistir a estos eventos. Gracias a este premio viajé por primera vez a Los Ángeles, en Estados Unidos, y me pareció fascinante. Me quedé casi una semana y me encontré con amigos y compañeros especialistas en maquillaje con los que he trabajado en otros proyectos en Rumanía. Fue una experiencia intensa y emotiva, nunca olvidaré el momento en que pronunciaron Wednesday en el escenario, porque no sabes el resultado de antemano, es como los Premios GOPO, cuando abres el sobre sabes si has ganado o no. Y este premio realmente aumenta tu valoración. He trabajado antes en producciones internacionales, sobre todo europeas, también tuve una colaboración con Disney y estoy abierta a este tipo de propuestas.»           

    Profesora de cerámica, Bianca Boeroiu lleva más de 20 años trabajando en el Palacio Nacional de los Niños de Bucarest y actualmente trabaja en un curso de apoyo a estas clases de cerámica.

    «Me gradué en la Universidad Nacional de Artes de Bucarest, departamento de Cerámica y Artes decorativas e, inmediatamente después de licenciarme, me dediqué a la enseñanza, y me encanta este trabajo de profesora que conseguí en el Palacio Nacional de los Niños, nunca lo dejaría, por muchas ofertas que recibiera como maquilladora. Es un área en la que me siento muy bien, los niños te dan mucha energía y mucha satisfacción. Desde muy joven me sentí atraída por el maquillaje y una amiga me propuso hacer un curso en esta dirección. Al principio fui un poco escéptica, debo admitirlo, ni siquiera sabía que había un departamento en la Universidad de las Artes donde se podía aprender esta especialización. Una vez que lo descubrí, las cosas surgieron de forma natural, es decir, lo hice todo con mucho gusto y entusiasmo y así es como se fueron enlazando las cosas. Desde entonces he participado en proyectos de este tipo, sobre todo rumanos al principio, luego empezaron a aparecer colaboraciones internacionales».

    Bianca Boeroiu también es miembro de la Unión de Artistas Plásticos de Rumanía y sus obras recibieron el premio por su debut en cerámica en la Bienal de Artes del Fuego.

     

  • «Vis.Viață», un documental de Ruxandra Gubernat

    «Vis.Viață», un documental de Ruxandra Gubernat

    Dirigido por Ruxandra Gubernat, «Vis.Viață» («Sueño.Vida»), es el primer documental de observación rumano que pretende presentar las realidades, las aspiraciones y los retos de los jóvenes de la Generación Z. Con experiencia en proyectos sociales y cinematográficos impactantes, la directora Ruxandra Gubernat consigue captar con empatía cómo los jóvenes se relacionan con el mundo que les rodea y afrontan los retos, así como la forma en que construyen su identidad en una sociedad en constante cambio. El rodaje duró cuatro años y captó la evolución de los protagonistas a medida que atravesaban un periodo de dura transición, incluidos los dos años de pandemia en los que la escuela funcionó en línea y la gente tuvo que aislarse. Como invitada en RRI, Ruxandra Gubernat nos contó cómo nació su interés por la Generación Z y cómo documentó el tema.

    «Viví en Rumanía y Francia durante 7 años. Entre 2008 y 2015 me fui a estudiar a Francia, pero volví. Y entonces me di cuenta de que me quedaban muchas preguntas sobre la salida de Rumanía. Obviamente, sabía que hay mucha gente que se va de Rumanía por diferentes motivos. Puede ser por motivos económicos, como los que optaron por marcharse a finales de los ’90, principios de los 2000. Otros optaron por irse después de entrar en la UE, porque era mucho más fácil emigrar y estudiar en otro país, como fue mi caso. Por último, para muchos, fue también la necesidad de conocer, una de las razones que descubrí en el caso de la Generación Z. Así fue como empecé a hacerme más preguntas sobre esta generación y sus opciones, preguntándome si la mayoría elegiría irse o quedarse en Rumanía. En aquel momento leí muchos estudios que mostraban que muchísimos jóvenes, alrededor del 80%, estaban considerando la posibilidad de marcharse, y más del 25% estaban abandonando Rumanía de hecho. Así empecé mi investigación, saliendo al terreno y hablando con los jóvenes. Fui a Timișoara, Cluj, Bacău, Brașov, Ploiești, Bucarest, Târgu Jiu y me puse en contacto con adolescentes muy diferentes y muchos de ellos dijeron que querían abandonar el país. En este contexto empezamos a filmar».

    Una – actriz, Habet – cantante de trap y Ștefania – activista medioambiental, se encuentran atrapados entre dramas y dilemas sobre su futuro. El documental de Ruxandra Gubernat les sigue en su relación con la familia, la escuela y la sociedad. Ruxandra Gubernat explica cómo eligió a los tres adolescentes tras una amplia investigación.

    «Como ya he dicho, viajamos a muchos lugares del país para averiguar todo lo posible sobre la vida de los adolescentes. Algunos de los seleccionados inicialmente renunciaron porque no se sentían capaces de llevar un proceso a largo plazo. A otros tuve que renunciar. Pero con Habet, Una y Ștefania se creó una relación especial y conseguimos llevar a cabo un proceso que significó mucho para ellos. Los conocí cuando tenían 16 años y terminamos de rodar cuando tenían 20, así que pasamos juntos por su adolescencia. Y sentí que los tres eran buenos ante la cámara individualmente y también juntos. Es decir que son una combinación muy buena para ilustrar lo que significa responder a las presiones sociales, preocuparse por el medio ambiente y por lo que ocurre a tu alrededor en general. Porque los tres son personas muy activas y muy diferentes al mismo tiempo. Ștefania, por ejemplo, dirigía las protestas de los Viernes por el Futuro en Rumanía en el momento en que el movimiento se estaba globalizando, y eso me parecía un ámbito muy importante. Habet hacía trap y teatro social en el barrio de Ferentari, y Una estaba montando una obra con sus compañeros entusiastas del teatro sobre la salida de Rumanía. A través de sus preocupaciones tocaban temas y retos tanto locales como generales. Hablaron de inmigración, hablaron de clase, hablaron de todos los problemas que atravesamos como sociedad, pero también hablaron de sus problemas. Además, fue muy importante la relación que pude establecer con cada uno de ellos y el hecho de que pudiéramos ser honestos fue extremadamente importante, así fue como nos acercamos y nos aceptamos mutuamente. Porque al final esta película fue un proceso de cuatro años y tienes que ser honesto con tus propias expectativas y con las de los demás. Sin eso no puedes hacerlo y no habría sido una historia auténtica».

    El documental «Vis. Viață» («Sueño. Vida») fue incluido en la selección oficial del Festival Internacional de Cine Documental y Derechos Humanos One World Romania, el Festival Internacional de Cine Documental Astra Film y el Festival Internacional de Cine Documental para el Cambio Social Moldox. Investigadora y cineasta, Ruxandra Gubernat también ha codirigido «Portavoce» (2018), un mediometraje documental collage sobre las oleadas de protestas en Rumanía en los últimos quince años, nominado a Mejor Documental Rumano en el Astra Film Festival 2018 y proyectado en varios festivales nacionales e internacionales.

    Versión en español: Monica Tarău

  • «El caso del ingeniero Ursu», un documental sobre la búsqueda de la justicia

    «El caso del ingeniero Ursu», un documental sobre la búsqueda de la justicia

    Andrei Ursu lleva más de 30 años luchando por la verdad sobre la muerte de su padre. Gheorghe Ursu murió bajo custodia de la Securitate después de denunciar la decisión de Nicolae Ceaușescu de detener la consolidación de los edificios dañados por el terremoto de 1977.
    Dirigido por Liviu Tofan y Șerban Georgescu, El caso del ingeniero Ursu es un impactante documental sobre la búsqueda de la justicia en un sistema que se opone a ella, recientemente estrenado en los cines.

    Liviu Tofan, cineasta y periodista durante dos décadas en la redacción rumana de Radio Europa Libre, codirector del documental El caso del ingeniero Ursu, nos habla de las dos historias que cuenta la película:

     

    «Bajo este título, El caso del ingeniero Ursu, hay dos historias de dos ingenieros Ursu, padre e hijo. Son historias emblemáticas, la de Gheorghe Ursu para la historia de Rumanía bajo el comunismo, en los años 80, y la otra, de Andrei Ursu, para la Rumanía actual, siendo emblemática su lucha durante más de 30 años en los tribunales para que se haga justicia a su padre. Hay dos historias que parten del terremoto de 1977, yo diría dos historias con un punto rojo: un punto rojo sobre la Rumanía comunista y el otro punto rojo sobre la justicia en la Rumanía democrática. Desafortunadamente, la segunda historia, la de Andrei Ursu, no es mucho más alentadora que la de Gheorghe Ursu. Aquí estamos, 35 años después de la Revolución, esperando un veredicto correcto en el caso de la muerte del disidente Gheorghe Ursu, una decisión correcta no solo desde el punto de vista legal, sino también desde el punto de vista histórico.

     

    Las personalidades de Gheorghe y Andrei Ursu son extraordinariamente fuertes y funcionan como verdaderos modelos en una sociedad tan trastornada como la nuestra actual. Tenemos aquí dos modelos raros, dos modelos que son la base de la película. Gheorghe Ursu fue asesinado por la Milicia y la antigua Securitate porque se negó a comprometerse en la investigación, lo sabemos por los documentos de la Securitate. Se negó rotundamente a involucrar a sus amigos en las investigaciones de la Securitate y fue tan categórico que fue pisoteado. Es un modelo de honor y verticalidad que no abdicó ni un segundo de sus principios. Y su hijo es un hombre que literalmente sacrifica su vida por un ideal. Andrei Ursu arriesgó dos veces su vida, declarándose en huelga de hambre por sus ideas, considerando que sus ideas son más importantes que su vida. Ahí es donde reside el valor de la película: en el poder de estos dos modelos».

    La primera proyección del documental tuvo lugar el pasado verano, pocos días antes del anuncio de la sentencia definitiva por parte del Tribunal Superior de Casación y Justicia. A pesar de la meticulosa construcción del caso, los acusados fueron finalmente absueltos, y la película sigue siendo la única forma de justicia y reconocimiento en el caso del disidente Gheorghe Ursu. Liviu Tofan, codirector del documental El caso del ingeniero Ursu:

     

    «Una gran parte de la película es la batalla legal de Andrei Ursu. Se presenta toda la cronología de los problemas y obstáculos que ha encontrado desde 1990, en diversas formas: retrasos, rechazos, invocaciones de argumentos como la escritura prescribe, en fin, muchos obstáculos. Recordemos que después de 1990, uno de los dos acusados ahora, Vasile Hodiș, uno de los investigadores culpables de la muerte de Gheorghe Ursu, ya no era oficial de la Securitate. En cambio, fue un oficial del Servicio Rumano de Inteligencia (SRI) durante muchos años, por lo que permaneció en el sistema, en el sistema que siempre se opuso a Andrei Ursu. En 2000, desesperado, Andrei Ursu se declaró en huelga de hambre por primera vez. Realizó dos huelgas de hambre de la manera más grave y ganó en ambas ocasiones, precisamente porque las autoridades se dieron cuenta de que no estaba bromeando y que estaba dispuesto a morir por sus creencias. Y luego cedieron. Así, en el año 2000, el caso fue devuelto al fiscal Dan Voinea, quien continuó las investigaciones. La segunda huelga de hambre de Andrei Ursu tuvo lugar en octubre de 2014, cuando este volvió a estar en un punto muerto total. Y luego, en el contexto preelectoral de ese otoño, las autoridades volvieron a ceder. Entonces fue en realidad el gran derrumbe, cuando todo lo que se le había rechazado a Andrei Ursu fue aceptado de repente. Solo entonces se admitió la investigación de los dos ex oficiales de la Securitate, Marin Pârvulescu y Vasile Hodiș. Hasta 2014, el sistema simplemente se negaba a que se investigara a los ex agentes de la Securitate».

     

    Producido por Kolectiv Film, en coproducción con la Fundación Gheorghe Ursu, Victoria Film, la Asociación Follow Art y la Sociedad Rumana de Televisión, el documental ya ha tenido una serie de proyecciones especiales durante el año 2023, en el cine Union, el cine Eforie, el cine Museo del Campesino Rumano y Film Garden, así como en festivales de cine (TIFF Sibiu y Oradea, Festival de Cine e Historia de Râșnov – FFIR, Fălticeni – Centenario de Monica Lovinescu) y en varias ciudades a lo largo de la ruta de la Caravana TIFF.

     

    Versión en español: Mihaela Stoian

  • Gusto, refinamiento y sociabilidad en Bucarest en la primera mitad del siglo XX

    Gusto, refinamiento y sociabilidad en Bucarest en la primera mitad del siglo XX

    La exposición Gusto, refinamiento y sociabilidad en Bucarest en la primera mitad del siglo XX en la Casa Filipescu-Cesianu en la capital, una de las sedes del Museo Municipal de Bucarest (MMB), tiene como objetivo reconstruir un fragmento de la vida cotidiana, el ritual de servir comidas, en la manera que lo hacía la élite de Bucarest bajo el signo de transformaciones culturales profundas, entre la estricta etiqueta anterior a la guerra y las actitudes sociales más relajadas cultivadas en el período de entreguerras.

    Una de las comisarias de la exposición, Andreea Mâniceanu, nos habla sobre la etiqueta de la sociedad de Bucarest a principios del siglo XX:

    «En la primera mitad del siglo XX, la etiqueta y el estilo de vida de la élite de Bucarest estaban marcados por varios elementos distintivos, como la influencia occidental, ya que la mayoría de los miembros de la élite de Bucarest se formaron en el extranjero, especialmente en Francia, lo que llevó a la adaptación de los modales y el estilo de vida occidentales. La moda, la arquitectura y las costumbres sociales reflejaron estas influencias».

    Andreea Mâniceanu también nos habla de la vestimenta de aquella época:

    «La élite de Bucarest también prestó especial atención a la ropa. Los caballeros llevaban trajes elegantes y de moda, inspirados en las tendencias de Europa occidental, y las damas llevaban vestidos muy elegantes, a menudo creados por casas de moda. Además, los bailes y las recepciones eran ocasiones importantes para mostrar esta elegancia».

    La exposición también presenta al público la forma en que vivía la élite de Bucarest en la primera mitad del siglo XX, en términos de vivienda y vida social:

    «Las residencias de la élite en Bucarest en la primera mitad del siglo XX solían estar situadas en zonas céntricas como Calea Victoriei o Cotroceni, y tenían un estilo arquitectónico ecléctico, combinando elementos neoclásicos, art nouveau o neorrumanos. Los miembros de la élite asistían a bailes, recepciones y cenas que se celebraban en el Palacio Real u otras residencias lujosas. Cafés, discotecas y restaurantes de lujo como Capșa, eran lugares de encuentro de políticos, aristócratas y artistas. La exposición Gusto, refinamiento y sociabilidad explora la transición y las influencias mutuas entre el estilo de vida y el espacio vital en los períodos de preguerra y entreguerras, enfatizando la dinámica entre el exterior y el interior. En el período anterior a la guerra, el estilo de vida aristocrático se definía por la opulencia y un visible refinamiento en la arquitectura y el diseño interior de las casas. Había una fuerte influencia del entorno exterior, especialmente en términos de diseño de espacios interiores inspirados en modelos occidentales y corrientes artísticas como el Barroco. Las casas reflejaban un estilo de vida orientado hacia el espectáculo y el estatus social, y los espacios interiores estaban diseñados para impresionar a los huéspedes. El mobiliario, la decoración y los materiales utilizados en las casas de la preguerra expresaban esta relación de continuidad entre la grandeza exterior e interior. A través de esta alternancia entre las dinámicas exterior-interior e interior-exterior, la exposición pone de relieve cómo los cambios sociales y económicos de las dos épocas influyen en la percepción y organización del espacio doméstico en el período anterior a la guerra. El espacio interior era un reflejo del mundo exterior, las jerarquías sociales y la etiqueta, mientras que en el período de entreguerras los cambios internos en la vida cotidiana y las preferencias estéticas empiezan a moldear la manera en que se percibe y se organiza el espacio exterior».

    Andreea Mâniceanu nos habla de la vida cultural de la época:

    «La élite de Bucarest también tenía una estrecha conexión con la vida cultural. La ópera, el teatro y las exposiciones de arte eran apreciadas por esta clase social. Además, el mecenazgo del arte y la literatura era una forma de que las élites demostraran su prestigio».

    ¿Cómo presenta la exposición de la Casa Filipescu-Cesianu la dinámica de las transformaciones de la sociedad de Bucarest en la primera mitad del siglo XX?

    «Así, la exposición Gusto, refinamiento y sociabilidad en Bucarest en la primera mitad del siglo XX transmite el mensaje de una evolución de una sociedad centrada en el estatus y el espectáculo a una funcional e individualista, donde la intimidad y el bienestar personal comienzan a prevalecer sobre la ostentación y la grandeza social».

    Versión en español: Mihaela Stoian

  • Club cultura: «The Breakup», en la Galería Mobius de Bucarest

    Club cultura: «The Breakup», en la Galería Mobius de Bucarest

    La producción está realizada por un grupo de artistas europeos dirigidos por la directora Ioana Păun. Ioana Păun es una directora que centra su trabajo en el comportamiento humano en situaciones difíciles. La directora nos habló del equipo que está detrás del espectáculo:

    «El equipo inicial estaba formado por artistas de Eslovaquia y yo, un equipo muy pequeño, hicimos un piloto completamente distinto de lo que se ve ahora en Rumanía. En febrero era ultra hiper interactivo. Básicamente, dos espectadores se separaban sin conocerse, en una especie de instrucción nuestra. No me gustó cómo resultó y volví a expresiones más seguras, digamos performativas, más a mano. Quería hablar emocionalmente a un público de lo que significa para cada uno de nosotros un especial para ellos, no para mí. «La separación». … Y el equipo de Bratislava tenía un núcleo integrado por el escenógrafo Matěj Sýkora y yo. Estábamos en una especie de ping-ponging de ideas. «¿Cómo podríamos» o “cómo podría yo” representar o infundir, o desafiar al público a sentir algo lo más parecido posible a lo que les pasa cuando aman y luego se separan? Y tenía una fijación, una cosa que me interesaba era exponer al público a dos personas besándose y descubriéndose por primera vez. Una especie de primer beso que todos experimentamos y luego encontrar otras acciones similares para continuar este viaje emocional».

    «The Breakup» es una experiencia discreta e intensa, creada para generar reflexión sobre cómo hemos vivido nuestras relaciones de pareja. ¿Por qué «The Breakup»? nos cuenta Ioana Păun:

     «Era un tema que me interesaba, porque, en realidad, personalmente hablando, me resultaba difícil de gestionar. Me refiero a la salida de alguien de tu vida o de ti de la vida de otra persona, especialmente en el plano romántico, pero no sólo, el final de una relación.»

    La directora Ioana Păun y su equipo exploran un territorio en el que las fronteras entre el sentimiento y el progreso tecnológico son cada vez más difusas. Hablamos con Ioana Păun sobre el espectáculo y la acogida que tuvo entre el público:

    «No puedes saber exactamente cómo se siente cada persona, aunque hables con ella.  ¿Cómo fue recibido? Te diré cómo fue recibido. En Eslovaquia rodamos en Bratislava y ciudades más pequeñas, había gente joven, gente mayor, millennials. Los jóvenes estuvieron muy centrados y atrapados por la idea y el deseo de expresar sus propias experiencias y sondearse a sí mismos. Eso es lo que veíamos en las respuestas. Ellos, el público, interactúan dos veces. Vimos que estaban dispuestos a responder de la forma más amplia y desnuda posible, aunque fuera anónimamente. Así que en este público joven, y por joven me refiero a 18, 25, 26 años, vimos una alegría en sondear algunas búsquedas, algunas experiencias emocionales con las que tal vez se enfrentan con ultra frecuencia, en una manera, no sé culturalmente.»

    El espectáculo ofrece al público dos códigos QR a través de los cuales pueden participar e interactuar. La directora Ioana Păun nos cuenta más sobre la interacción con el público:

    «Sí, es una especie de enlace que recibes en tu teléfono móvil y al que respondes. Y tu respuesta se integra de un modo u otro en el espectáculo o se hace pública, en realidad, aunque sea anónima. El público es reducido, unas diez personas. He tenido espectáculos con cuatro personas, he tenido espectáculos con diecisiete personas. Funciona mejor con unas diez personas. Se crea una especie de comunidad, y hay varios momentos en el espectáculo en los que el público hace o complementa, o dice, o nos deja intervenir un poco. Y de una manera mínima. Así que es un espectáculo muy sencillo. Se reaccionó de manera diferente, cada espectáculo fue diferente. A veces extraordinariamente comprometido, dependiendo de su estado de ánimo o lo que está surgiendo en el momento. Las actrices perciben el pulso del público, pero no cambian su ritmo, no cambian sus acciones dependiendo de la disponibilidad o de cómo perciben que el público está interesado, comprometido o aburrido. Así que esta pregunta de ‘cómo se recibe’ siempre me resulta muy difícil de responder».

     

     

  • EXT. MAȘINĂ. NOAPTE, una nueva película de Andrei Crețulescu

    EXT. MAȘINĂ. NOAPTE, una nueva película de Andrei Crețulescu

    EXT. MAȘINĂ. NOAPTE (EXT. Coche. Noche), el segundo largometraje dirigido y escrito por Andrei Crețulescu, está protagonizado por cuatro actores emblemáticos de la nueva ola que interpretan múltiples papeles: Rodica Lazăr, Șerban Pavlu, Andi Vasluianu y Dorian Boguță. Consta de tres partes, rodadas en planos secuenciales, EXT. MASINA. NOAPTE combina varios géneros y estilos, construyendo una historia sobre cómo (NO) hacer una película: “Un making of con aires de crónica absurda/posmoderna”, como señala el director. En opinión del actor Şerban Pavlu, la película “es única en todos los aspectos: la forma en que está escrita, montada, el reparto de la película, que hace varias cosas, incluido mi personaje”.
    Andrei Crețulescu.

    “Es una película muy rumana. Claro, me lo pueden decir, pero todas las películas rumanas pueden considerarse muy rumanas. Es cierto, pero ésta, aunque parezca difícil o incómodo, también es muy retro, también es muy hablada, y por eso me refiero a este término “muy rumana”. Es una película muy comentada, además tengo la sensación -ya confirmada por la reacción del público, tanto en el TIFF como en las proyecciones- de que es una película con la que el público de habla rumana puede vibrar un poco más. Pero obviamente, cuando dije que es rumana, no quise decir que sea una película destinada sólo al público de aquí. Dije que es muy rumana porque, como ya se sabe, es una película muy, muy hablada. Por eso creo que el público nativo rumano tiene una gran ventaja sobre los espectadores que se ven obligados a leer los subtítulos, donde obviamente se pierde casi la mitad del significado de los diálogos. Además es una película de difícil o imposible comercialización, porque por mucho que quieras señalarla y decir que encaja en este género, cualquier clasificación posible estará equivocada de entrada, porque no hay manera de incluir prácticamente todas las películas, pasos que sigue esta película, como una pelota en un juego, por así decirlo. Por eso habrá espectadores que lo verán como un thriller, otros lo verán como una comedia o una sátira, otros detectarán el discurso metacinemático. Todas estas definiciones y encuadres son correctos. En realidad, no existe una definición perfecta, pero tampoco una errónea, por así decirlo. Son varias películas en una. Son muchas películas en una sola.”

    EXT. MAȘINĂ. NOAPTE, un thriller sangriento que se convierte en su propio “making of”, pero también una conversación sobre el cine, sobre el miedo y la ficción, estrenado durante las Jornadas de Cine Rumano en el TIFF (Festival Internacional de Cine de Transilvania) y recién llegado a los cines del país. Andrei Crețulescu.

    “En realidad, inicialmente estaba planeando un thriller real, un thriller clásico, por así decirlo, un thriller con 10 personajes que están atrapados en una cabaña de montaña por la tormenta y que terminan, por diversas razones, matándose entre sí. Era una historia muy sangrienta y sonaba muy bien sobre el papel como guión. Pero llegó la pandemia y tuvimos que repensar toda la empresa. Y más allá de la pandemia, también me convertí en padre y pensé entonces que una película en la que la gente se mata podría no representarme en ese momento. Así que pensé que sería más emocionante, más desafiante, hacer una película sobre cómo se hace un thriller, hacer una película sobre algunas personas que quieren hacer un thriller sangriento. Así que el thriller original de alguna manera existe en esta película, sólo que tiene una perspectiva diferente. Por otro lado, pensé que sería más sencillo si en lugar de una película con diez actores en el reparto tuviéramos una película con sólo cuatro actores. Pero estos cuatro actores interpretan unos 12 personajes en total. Así que gané y no gané, por así decirlo. Y fue mucho más difícil, porque de alguna manera nos impusimos desde el principio esta estructura de componer la película a partir de tres grandes fotogramas, para ser proyectada en secuencia de planos, es decir, sin cortes. Y eso fue difícil para todos en el equipo, excepto para mí, digamos. Es difícil para absolutamente todos, pero al mismo tiempo es aún más emocionante porque es más honesto. Sin cortes, todo lo que sucede sucede frente a ti. Sin cortes, no tienes tomas detalladas, no tienes primeros planos. Yo, como autor de la película, no condiciono vuestra perspectiva, no os limito -mediante el montaje- a quién o qué mirar. Tú, el espectador, tienes un cuadro y escoges mirar lo que crees que te fascina o intriga. Por eso el plano-secuencia me parece una propuesta algo más honesta en nuestra relación tan especial director-espectador.”

    Codruța Crețulescu, Vlad Rădulescu y Claudiu Mitcu son los productores de la película, de Kinosseur, Avanpost Media y Wearebasca. La imagen de la película está firmada por Andrei Butica, el montaje estuvo a cargo de Cătălin Cristuțiu, los decorados y el vestuario de Mălina Ionescu. El ingeniero de sonido es Alexandru Dragomir y Marius Leftărache firma el diseño de sonido. Andrei Crețulescu llamó la atención de la crítica en 2015, cuando el cortometraje RAMONA fue premiado en Cannes, en la sección Semana de la Crítica. Su ópera prima, CHARLESTON (2017), se estrenó mundialmente en la Competición de Locarno, se presentó en más de 30 festivales internacionales y fue un éxito entre el público rumano.

    (Versión española: Simona Sarbescu)

  • Club cultura: La exposición «Tintes naturales» en el Museo Nacional de Historia de Rumanía

    Club cultura: La exposición «Tintes naturales» en el Museo Nacional de Historia de Rumanía

    La exposición pretende valorar los resultados de la investigación científica y poner de relieve los colorantes naturales como recurso en el arte contemporáneo, crear una conexión entre los textiles contemporáneos y tradicionales a través de los colorantes y valorar los resultados de la investigación interdisciplinaria poniendo la información a disposición del público en general.

    Hablamos con la co-curadora Irina Petroviciu, investigadora química, sobre el concepto de la exposición:

    «A través de los tintes naturales intentamos conectar, por un lado, piezas textiles de museo, patrimonio de museo, digamos, con textiles tradicionales y textiles contemporáneos, poniendo de alguna manera los resultados de la investigación científica a disposición del gran público. Los tintes naturales son la pieza central, el concepto principal de la exposición. Todo gira en torno a ellos. A través de mis inquietudes como investigadora química, intento estudiar el patrimonio textil rumano desde la perspectiva del análisis de los tintes. Estos estudios se basan en el hecho de que todas las piezas textiles que vemos en los museos hasta finales del siglo XIX, cuando empezaron a estar disponibles los tintes sintéticos, se teñían con tintes naturales. Los tintes naturales, que pueden extraerse de plantas, insectos, hongos, moluscos o líquenes, se utilizaron al principio, cada uno sólo a nivel local. Más tarde, algunos de ellos empezaron a comercializarse, vinculándose el inicio de la comercialización a acontecimientos históricos o descubrimientos geográficos». 

    ¿Qué propone la exposición desde el punto de vista de la investigación de los tintes naturales?

    «Con las técnicas analíticas disponibles hoy en día, podemos identificar los tintes naturales y la fuente biológica a la que pertenecen, y podemos ayudar a situar piezas históricas en un contexto determinado basándonos en el análisis de los tintes. En la exposición, por un lado, presentamos tintes naturales, caracterizándolos desde diferentes perspectivas, por un lado desde el punto de vista de la estructura, la metodología de teñido, obviamente esto está relacionado con la estructura. Algunos tintes son más estables a la acción de los factores ambientales, otros menos estables en los textiles de museo. Obviamente, encontraremos los más estables. También podrán ver materiales textiles teñidos con tintes naturales. Además de la historia de los tintes procedentes de textiles históricos, también encontrarán información sobre tintes procedentes de plantas que encontramos en nuestra vida cotidiana y que posiblemente podrían utilizarse para teñir. Se trata de plantas invasoras. Son simplemente plantas que tenemos, por ejemplo en el jardín, que al utilizarlas, cosecharlas y usarlas como tintes podríamos tener básicamente un jardín más bonito y al mismo tiempo unos tejidos coloreados de forma natural. También hay tintes que tenemos en las sobras que obtenemos de las actividades domésticas. Se trata de los huesos de aguacate, bayas, tintes de cáscaras de granada, las cáscaras de cebolla son muy populares y muchos otros».

    Irina Petroviciu nos cuenta lo que los visitantes pueden ver en la exposición «Tintes naturales» del MNHR:

    «En una primera parte tenemos piezas textiles litúrgicas de la colección del Museo Nacional de Historia de Rumanía, el Museo Nacional de Arte de Rumanía y el Monasterio de Putna, caracterizadas principalmente desde la perspectiva de los tintes naturales. Otra zona de la exposición está dedicada a los textiles tradicionales. Hemos querido ver, a través de estudios realizados sobre piezas textiles de colecciones de museos rumanos, hasta qué punto se seguían utilizando tintes a finales del siglo XIX. El itinerario de la exposición continúa con la descripción de varios proyectos recientes dedicados a los tintes naturales, que también hacen la transición al arte contemporáneo. Los tintes naturales están presentes en el mundo contemporáneo, por un lado en los nuevos tejidos tradicionales, pero también en las creaciones de artistas contemporáneos. Tenemos ejemplos de obras en la exposición. Así que realmente hay que ver la exposición, porque es muy difícil de describir. Hay obras de artistas consagrados, algunos de ellos acostumbrados a trabajar con tintes naturales, otros que se lo toman como un reto. Y también hay obras de artistas jóvenes que empiezan a utilizar tintes naturales».

    Al final, Irina Petroviciu nos cuenta cuándo se podrá visitar la exposición y qué otras actividades propone el MNHR:

     «Se ha anunciado hasta finales de octubre, pero seguramente se prolongará hasta finales de noviembre. Estamos preparando eventos asociados a la exposición y probablemente durante noviembre organizaremos talleres de pintura».

     

  • Club Cultura: ¡Ciao, Italia! Animest 19

    Club Cultura: ¡Ciao, Italia! Animest 19

    Después de que más de 15.000 espectadores asistieran a la última edición, el Festival Internacional de Cine de Animación regresa a las grandes pantallas de Bucarest del 4 al 13 de octubre. La 19ª edición de Animest pone en el centro de la atención el cine de animación italiano, continuando así una larga tradición de retrospectivas anuales dedicadas a países que han marcado hitos importantes en el cine. Este año, el público tendrá la oportunidad única de explorar la riqueza y diversidad de la animación italiana a través de una impresionante selección de películas, invitados y actos especiales, que pondrán en primer plano tanto a clásicos del género como a creaciones contemporáneas de renombre internacional. El programa  ¡Ciao, Italia! – país invitado a Animest 2024 cuenta con el apoyo del Instituto Italiano de Cultura de Bucarest y Animaphix – el Festival Internacional de Cine de Animación de Sicilia.

    Mihai Mitrica,

    director artístico de Animest:

    «Elegimos Italia para este año porque tiene una rica tradición en el cine de animación. Es cierto que la industria italiana no ha experimentado últimamente la magnitud de hace décadas, pero la tradición del cine italiano no puede pasarse por alto. Llevábamos tiempo planeando centrarnos en la animación italiana, pero no ha sido hasta esta edición cuando ha ocurrido, y agradecemos esta amplia retrospectiva a nuestro colega y amigo italiano Andrea Martignoni, que ha comisariado la sección. La retrospectiva comisariada por Andrea Martignoni, reconocido sonidista cinematográfico, incluye animación italiana clásica y contemporánea, y los tres largometrajes elegidos son representativos de lo que es la animación italiana. Se trata de Allegro non tropo (dir. Bruno Bozzetto, 1976), L’arte della felicità / El arte de la felicidad (dir. Alessandro Rak, 2013), premiado en el Festival de Venecia, e Invelle / Nowhere (dir. Simone Massi), también premiado en Venecia.»

     

    Cada vez más innovadores y complejos desde el punto de vista estilístico, los 12 cortometrajes incluidos en la Competición Rumana de la 19ª edición de Animest dibujan un panorama general de la animación rumana contemporánea. Los cortometrajes de la selección de este año son una mezcla de producciones de estudiantes que se inician en este campo y de películas creadas por artistas de animación consagrados. Entre el 4 y el 13 de octubre, las películas de la Competición Rumana competirán por el trofeo de la sección. Este año se han presentado 32 películas a la competición rumana de Animest, un número muy elevado que demuestra el continuo desarrollo de este campo, como consecuencia del apoyo constante de los últimos 19 años. El impacto de Animest en la industria rumana de la animación puede verse directamente en las grandes pantallas en la selección de este año, repleta de enfoques valientes e historias originales que se centran principalmente en las relaciones de pareja, en la familia o en la comunidad.

     

    Mihai Mitrica, director de Animest :

    «Año tras año recibimos más y más proyectos de animación rumanos, lo que nos alegra mucho. La calidad de las películas también es cada vez mejor. Esto se debe también a que la escuela de animación, tanto en la Universidad Nacional de Teatro y Arte Cinematográfico «Ion Luca Caragiale» de Bucarest como en las facultades de cine y teatro de Oradea, Cluj e Iași, está empezando a dar sus frutos, sin duda gracias al festival Animest. Pero lo único que estamos haciendo es mostrar el trabajo de los autores de películas de animación y promover sus producciones, el mérito es de las escuelas de animación y, por supuesto, de los productores. Dos de los directores que regresan al certamen Animest son Tudor Avramuț y Serghei Chiviriga, que realizaron una película infantil llamada TIBI. Y Andreia Dobrota también vuelve con una película en Animest. Es una directora que vive en los Países Bajos y hace una película casi todos los años. Este es un proyecto independiente, uno de los muchos en los que está trabajando. También mencionaría una coproducción entre Rumanía y Francia, basada

    en una historia rumana. Es una película de la directora francesa Mélody Boulissière sobre una historia de amor que ocurre durante la Segunda Guerra Mundial, basada en la colección de fotos del famoso fotógrafo Constantin Axinte de Slobozia».

     

    También  Alina Gheorghe regresa a la competición rumana de Animest con una nueva película escolar, «Paraíso sucio», una metáfora sobre el autorechazo y la idealización de la perfección. La 19ª edición del Festival Animest ofrece una serie de noches blancas urbanas dedicadas a los más atrevidos entre los amantes del cine de animación. Historias atípicas, experiencias intensas, proyecciones nocturnas y experimentos provocadores se dan cita en un sofisticado cóctel de eventos temáticos, nuevos y consagrados. Trippy Animation Night vuelve con una colección inusual y electrizante, Creepy Animation Night provoca escalofríos hasta al más valiente de los espectadores, Erotica – The Night of Erotic Animation estimula la imaginación fuera de la zona de confort, y Animusic Night demostrará una vez más que las fiestas de calidad tienen su lugar también en el cine. Además, los eventos especiales de este año se complementan con una nueva entrada, dedicada a los jóvenes: Fresh Frames, una selección de películas de animación realizadas en su mayoría por adolescentes en talleres organizados por la Incubadora de Animación a lo largo del año.

  • Club cultura: El proyecto BESTIAR

    Club cultura: El proyecto BESTIAR

    El proyecto abre la discusión sobre la preocupante tensión entre la necesidad de individualidad de los adolescentes y la presión de conformismo que ejerce la sociedad y el entorno en línea, las redes sociales. Anca Spiridon, relaciones públicas en el ámbito de la cultura, nos habla sobre las fuentes de inspiración para el proyecto:

    «La fuente de inspiración para la obra y, posteriormente, para el espectáculo Bestiar, la producción más reciente de Vanner Collective, fueron los retos de los jóvenes de hoy en día, especialmente en lo que concierne a su presencia en las redes sociales, la presión que ejercen los modelos de comportamiento, la apariencia física y el éxito que proponen. Y así, los jóvenes, como decía, se sienten presionados a conformarse con puntos de referencia que no son ni suyos, que son particularmente arbitrarios y rígidos y que no les permiten expresar ni su individualidad, ni su personalidad, ni su autenticidad, sino más bien entrar en una zona de conformismo. Hoy en día, me parece obvio que la tensión entre la necesidad de expresión de las personas de todas las edades, pero especialmente de los jóvenes, y la presión para alinearse con ciertos estándares se siente mucho en el entorno en línea y en las redes sociales, que promueven algunos modelos de comportamiento, apariencia física, éxito, que no son nuestros, ni de todos nosotros. Y, en modo particular, queríamos abordar la presencia en línea y los riesgos que conlleva».

    Anca Spiridon nos explica por qué Vanner Collective eligió este tema:

    «El equipo de Vanner consideró necesario abrir este debate, como yo suelo abrir debates difíciles en los proyectos que propongo, para mostrar al público, especialmente a los más jóvenes, que todos nos hemos enfrentado en algún momento a presiones sociales, independientemente de las elecciones que hayamos tenido que hacer. Ya sea la universidad a la que vamos a asistir, la carrera en la que perseveramos, un estilo de vida, la forma en que nos vemos y nuestras elecciones en general. A través de este proyecto, de este espectáculo Bestiar, quisimos crear un espacio seguro donde puedan expresarse, puedan ver que no están solos y, por qué no, sentirse más cómodos expresando su individualidad».

    ¿Cómo surgió el proyecto Bestiar? ¿Qué métodos de búsqueda y expresión artística utilizaron en el proyecto? Anca Spiridon, relaciones públicas en el ámbito cultural, nos lo cuenta todo:

    «Durante el proyecto realizamos una serie de talleres y grupos de enfoque con adolescentes y jóvenes, y de alguna manera la retroalimentación que recibimos de ellos fue que, efectivamente, la sociedad parece estar pidiéndoles bastante conformismo. Tienen la impresión de que son más fáciles de gestionar, que es mejor ser dóciles que expresar su opinión, su personalidad. Y eso reforzó nuestra convicción de que hemos abierto un buen debate y de que podemos ofrecer un contexto en el que se pueda expresar la individualidad. Utilizamos la metáfora de los animales sacrificados, del autosacrificio de la personalidad, precisamente como punto de partida para explorar los estereotipos y el conformismo. El equipo de Vanner partió de la idea de que cuando uno se conforma, pierde una parte de sí mismo, pierde lo que podría llegar a ser. Pierde la tribu, el grupo al que realmente pertenece cuando le dicen que se conforme a normas y estándares».

    Al final de nuestro debate, Anca Spiridon nos habla del espectáculo teatral Bestiar, espectáculo que representa la finalidad de todo el proyecto:

    «El espectáculo Bestiar se basa en un nuevo texto dramático, escrito por Raluca Mănescu y Denisa Nicolae, cofundadora de Vanner Colective. Denis Nicolae también se encarga del concepto y la dirección escénica y el equipo está formado por antiguos colaboradores de Vanner Colective, pero el elenco de actores que se verá en Bestiar son todos actores muy jóvenes A través de Bestiar, el equipo de Vanner Colective quiso acercarse a los jóvenes, hablar de sus problemas específicos y entablar un diálogo sostenido con ellos. También se propuso presentar sus desafíos al público, que tal vez no haya pasado por ellos, no los haya vivido en la forma en que los viven hoy en día, con toda la presión de las redes sociales, o quizá no los recuerde: padres, profesores, amigos».

    Versión en español: Mihaela Stoian

  • Familiar, una nueva película dirigida por Călin Peter Netzer

    Familiar, una nueva película dirigida por Călin Peter Netzer

    Familiar, el nuevo largometraje dirigido por Călin Peter Netzer, seleccionado en la 27ª edición del Festival Internacional de Cine de Tallin Black Nights, se estrenó en los cines a finales de enero. Familiar cuenta la historia de un director de cine que investiga a su propia familia, forzando el acceso al momento más frágil de su existencia: la emigración a Alemania en los años 80. La emigración tuvo lugar en condiciones sospechosas y revela secretos familiares, vínculos con la Securitate y viejas heridas.


    «La película está construida con la meticulosidad de una investigación detectivesca, en la que se invita al espectador a ser él mismo el investigador», dijo el director Călin Peter Netzer sobre Familiar. Călin Peter Netzer e Iulia Lumânare escribieron el guion. Barbu Bălăşoiu y Andrei Butică son los directores de fotografía de la película.


    Familiar está protagonizada por Emanuel Pârvu, Iulia Lumânare, Ana Ciontea, Adrian Titieni, Victoria Moraru y Vlad Ivanov. Iulia Lumânare, ganadora del Premio Gopo en 2019 a la Mejor Interpretación, tiene una importante participación en la realización de la película Familiar, retomando su colaboración con Călin Peter Netzer. Es coguionista, actriz, directora de casting y coach de actuación. Iulia Lumânare, sobre su participación en Familiar y sobre las razones que la determinaron a repetir la colaboración con el director Călin Peter Netzer:



    «La película se inspira en el proceso por el que pasamos, vivimos y experimentamos Călin Peter Netzer y yo, cuando empezamos a escribir el guión. Porque, inicialmente, la película trataba sobre la emigración de su familia a Alemania durante el período comunista, a principios de los años 80. Después de tres meses de darle la vuelta a la historia, entendimos más claramente lo que queríamos de ella. Así que decidimos que la historia comienza precisamente desde aquel momento, en 2019, cuando estábamos pensando en el cine. Lo que tenía que decir partía desde aquel presente. En cuanto a la razón por la que repetí la colaboración con Călin Peter Netzer, podría decir que su anterior película, Ana, mon amour, sigue siendo una experiencia esencial en mi carrera. A partir de ese momento no solo fui actriz y profesora, sino también guionista. Lo sabía, sabía que podía escribir, pero Călin Peter Netzer fue quien me dio toda la confianza y siempre le estaré agradecida por eso. Y aquí estamos ahora en la segunda colaboración, porque la primera fue realmente muy especial, desprovista de los egos o conflictos que pueden surgir en las colaboraciones entre artistas. Somos dos personas apasionadas por la verdad hasta el punto de hacernos daño a nosotros mismos. Y de eso se trata en la película Familiar, de la verdad, de las cosas que no podemos soportar ver en nosotros mismos, de esas cosas que no nos gustaría que nadie viera de hecho. Es por eso que el tema de alguna manera u otra se ha convertido en nosotros, aunque, por supuesto, hay mucha ficción allí».



    Childs Pose (2013), el tercer largometraje de Călin Peter Netzer después de las multipremiadas Maria y Medal of Honor, ganó el Oso de Oro al Mejor Largometraje en el Festival de Cine de Berlín, convirtiéndose así en la primera película rumana en recibir este premio. En 2017, Călin Peter Netzer volvió a la Sección Oficial de la Berlinale con Ana, mon amour y ganó el Oso de Plata a la Contribución Artística Destacada. El público recibió muy bien sus películas, estableciendo récords de taquilla en Rumanía. La coguionista de las películas Ana, mon amour y Familiar, Iulia Lumânare, nos habla de la conexión entre las tres últimas películas dirigidas por Călin Peter Netzer:



    «Familiar se puede ver junto a Ana, mon amour y Childs Pose, quizás formando una especie de trilogía con estas dos películas. En todas estas películas hay un universo muy familiar para Călin Peter Netzer, que él representó de manera muy realista. Son todas películas sobre la identidad, sobre lo que, de una manera u otra, perturba al ser. La búsqueda de la identidad es una búsqueda que se encuentra en todos los personajes de estas películas, independientemente de la historia. Y a través de estas búsquedas de personajes, algunas de ellas de toda la vida, esas historias adquieren universalidad, por muy específicas que sean. En el caso de Familiar, un director que quiere hacer una película explora su pasado familiar e intenta reconectarse con los miembros de su familia, pero se ve incapaz de hacerlo. Es muy difícil porque, como sabemos, no eliges a tu familia, la das por sentada. Mientras que el protagonista de Familiar lucha con su familia, sus padres, tratando de hacerles conscientes de algunas cosas que no pueden entender ni aceptar».



    Los productores de Familiar son Călin Peter Netzer y Oana Iancu, a través de la productora Parada Film. La película está coproducida por Cinema Defacto (Francia), Gaïjin (Francia) y Volos Films (Taiwán).


    Versión en español: Mihaela Stoian