Category: Культурное обозрение

Трофей кинофестиваля NexT 2016 получила картина «Живым нужен свет, мёртвым нужна музыка»/ The Living Need Light, The Dead Need Music”, вьетнамской группы Propeller Group. «Ритм фильма вызван сменой света и течением звука, который сохраняет постоянное впечатление сюрреялистического перехода к неизвестному, но всё-таки существующему настоящему. Живой, лирический, поэтический и глубокий фильм», – согласно жюри. 10 международный кинофестиваль Некст, прошедший с 7 по 11 апреля 2016 года в кинотеатре Музея румынского крестьянина и в кинотеатре имени Элвира Попеску и ещё в нескольких необычных местах, принёс румынской публике самые новые и самые инновационные короткометражные фильмы со всего мира, отобранные из более 2000 картин. Наряду с Массимилиано Нардулли и Оаной Гера, кинокритик Ирина Трокан вошла в состав отборочного жюри в этом году, которое выбрало из более 2000 фильмов, записанных на фестиваль, несколько из самых вызывающих новейших короткометражных фильмов. Запись:

«Это дело тренировки, я уже шестой год занимаюсь этой работой, так что у меня свои секреты. Конечно, мы не смотрим все 2000 фильмов, мы их разделяем между нами. И тогда, из 700 фильмов, просмотренных каждым, отбираем несколько, пока из 2000 остаются 200, которые мы обсуждаем и, в конечном итоге, отбираем те картины, о которых сообщаем. Мы желаем, чтобы в этом году конкурс был самым радикальным, как минимум на уровне повествовательного кино, то есть, чтобы в нём участвовали самые амбициозные фильмы. Поэтому, несколько лет назад мы подумали создать и разделы, которые больше нравятся публике, где можно посмотреть фильмы, которые проще ассоциировать с популярным кино, и на протяжении времени у нас были Next Comedy, Next is Love. В этом году у нас новый раздел, Out of Space, программа короткометражных научно-фантастических фильмов. У нас и раздел видео эссе, которым мы очень дорожим, он ближе к кинокритике, чем к созданию фильма. Речь идёт тоже о короткометражных фильмах, то есть это монтажи отрывков из знаменитых фильмов, авторыми которых были Курошава, Феллини, Тарковский — из них был создан ремикс и добавлены комментарии кинокритика, то есть это пересечение между созданием фильма и кинокритикой, очень интересное. У нас также две рубрики, которые пытаются принести на экраны то, что не увидишь в обычном кино, я имею в виду Next is Feminist и LGBT. В первой рубрике показываем фильмы о положении и проблемах женщин, а раздел LGBT посвящён сексуальным меньшинствам.»

На протяжении 10 лет Фестиваля NexT мы попытались сохранить живым свободный дух, находчивость и солидарность в кинематографической общине, так, как мы научились от Кристи Немеску и от Андрея Тонку. Я от всей души надеюсь, что нам удалось это сделать, и что мы сможем продолжать развивать эти ценности, как в молодых киношниках, с которыми мы встречаемся в рамках NexT, а также, или может быть, в первую очередь, в публике фестиваля NexT.» сказала нам Ада Соломон, директор международного кинофестиваля NexT. На протяжении фестиваля кинопоказы были дополнены семиняриями, проведёнными выдающимися личностями из мира кино, конкурсами и специальными мероприятиями. Кинокритик Иляна Бырсан была одним из почётных гостей юбилейного, 10 международного кинофестиваля NexT. Запись:

«До того, как я стала гостем фестиваля, хочу сказать, что я была зрителем на первом Фестивале и даже в этом году я не отказалась от идеи быть, в том числе и зрителем. В том, что касается моей роли в рамках нынешнего фестиваля, я принимаю участие в двух событиях. Одно из них называется The Pitch, – речь идёт о 10 проектах короткометражных фильмов, оставшихся в конкурсе за приз на сумму 5000 евро. В состав жюри входят также Sebastien de Lame, директор Marketing & Sales ShortsTV, специалист по короткометражным фильмам, и визуальный артист Штефан Константинеску. Наша общая миссия заключается в том, чтобы выбрать из 10 проектов один единственный. Это происходит в двух раундах, во время первого раунда все отобранные авторы имеют в распоряжении одну минуту, чтобы представить свой проект на английском языке и короткий монтаж из снятых раньше фильмов. Мы, члены жюри, решаем, какие 5 проектов остаются в состязании, потом следует второй раунд, в ходе которого 5 проектов представляются более развёрнуто, и мы также задаём вопросы участникам.»

Иляна Бырсан является трейнером на разных воспитательных программах через кино и она нам рассказала о другом событии в рамках фестиваля:

«Речь идёт о круглом столе, организованном одновременно с официальным открытием воспитательной программы через кино, под названием CINED (European Education for Youth), – это программа, развёртывающаяся на европейские деньги, в которой участвуют несколько европейских партнёров. Общество Некст, с программой которая применялась до сих пор – Education a l’lmage, Ассоциация Макондо, у которой на повестке сейчас программа Фильмы для старшеклассников, – обе ассоциации наши партнёры в этом более широкомасштабном европейском проекте CINED. А главная тема круглого стола, организованного NexT — это воспитание через кино.»

Созданный в 2006 году в память о двух талантливых киношниках — режиссёра Кристиана Немеску и звуко дизайнера и композитора Андрея Тонку, – Международный кинофестиваль NexT продолжает свою миссию — выдвигать оригинальные и смелые голоса, которые в будущем напишут важные страницы в современном кино.

В рамках Галы премий Гопо, актёр Флорин Пьерсик получил Приз за всю Карьеру. На протяжении своей карьеры, Флорин Пьерсик плодотворно сотрудничал с режиссёром Ионом Попеску Гопо, именем которого названо важнейшее событие, посвящённое ценностям румынской кинематографии.

Когда актёр Флорин Пьерсик поднялся на сцену, чтобы получить свою статуетку, – премию за всю свою деятельность, публика Большого зала бухарестского Национального театра устрола для него долгие овации. «Я уже не знаю, кому благодарить за премию Гопо. Наверное я должен благодарить себе самому, что дожил до этого матузалемского возраста», пошутил Флорин Пьерсик при принятии трофея. На предыдущих галах Премию за всю карьеру, – один из важнейших трофеев в румынском кино, получили выдающиеся румынские актёры, такие как: Кока Блус, Раду Белиган, Митикэ Попеску, Юрие Дарие, Ион Бесою, Драга-Олтяну Матей, Марин Морару, Жеян Константин.

Актёр Флорин Пьерсик родился 27 января 1936 года в городе Клуж Напока и является одним из самых любимых и плодотворных румынских актёров, с внушительной карьерой, как в театре, так и в кино и на телевидении. Он выпускник 1957 года института Театрального и кинематографического искусства и дебютировал в 1959 году на сцене бухарестского Национального театра, исполняя главную роль в пьесе «Ученик дьявола». Последовали главные роли в «Оптимистической трагедии», «Люди и миши», «Орфей в аду», «Пролетая над гнездом кукушки», «Трещотки», «Невесты приземляются в Париже», «Сладкая птица молодости» и другие — роли, которые постоянно доказывали непревзойдённую разносторонность актёра. Один из спектаклей, оставивший глубокий след в его жизни, говорит Флорин Пьерсик, — это «Пер Гюнт» Генрика Ибсена. Как раз этот спектакль актёр выбрал и по случаю юбилея, когда он отметил свой день рождения на сцене румынской Национальной оперы в городе Клуж. В рамках спектакля, под названием «Не спрашивай, сколько мне лет!», актёр исполнил монологи из пьесы, в то время как Оркестр клужской оперы играл сценическую сьюиту из концерта Пер Гюнт на музыку Эдварда Грига. Флорин Пьерсик:

«В 22 года, когда я закончил театральный факультет в рамках Театрального и кинематографического института, Дину Чернеску, один из моих самых любимых и уважаемых режиссёров, дал мне эту роль, которая покрывает три возраста. Потому что я играл эту роль и в юности, и в зрелости — в 45 лет, и сейчас, в 80. Пьеса одна и та же, но то, что я на самомм деле представляю, это история Пера Гюнта — 9 монологов, которые я говорил в разном возрасте. А что самое замечательное — и случается в 19 раз — это то, что мне аккомпанирует оркестр Румынской оперы, исполняющий музыку Эдварда Грига, специально написанную для пьесы «Пер Гюнт». Когда я дебютировал в 22 года, Дину Чернеску пришла идея использовать в спектакле музыку Грига — в главных сценах спектакля. И могу также сказать, что благодаря этой роли, я не стал актёром Национального театра в городе Клуж, где я мечтал выступать на сцене, а был сразу принят на работу в бухарестский Национальный театр, выдающимся писателем и академиком Захария Станку, а также Александром Финци — любимым моим преподавателем и наставником, незаурядным режиссёром.»

Дебют актёра Флорина Пьерсика в кино состоялся в 1957 году, в совместном румыно-французском фильме «Чертополох Бэрэгана», режиссёра Луи Дакин, по роману румынского писателя Панаита Истрати. Однако признание пришло благодаря сотрудничеству, которое продлилось на протяжении нескольких десятилетий. Будучи одним из любимых актёров Иона Попеску Гопо, Флорин Пьерсик снимался в пяти картинах маэстро, в которых исполнял от небольших ролей, как в «История как в сказках», «Украли бомбу» или «Шаги к луне», до главных ролей, – роль мечтательного принца в «Если бы я был…Харап-Албом» или, позже, роль Короля в фильме «Заклад». Персонаж в картине «Если бы я …» вместе с трагическим центурионом Сабинус в картине Мирчи Дрэгана «Колонна» (1968) почти сразу же превратили Флорина Пьерсика в секс-символ эпохи, румынской версией Алэна Делона, Джулиано Джеммы или Фернандо Рея. Флорин Пьерсик:

«Я принадлежу публике. Я принадлежу зрителям. Я принадлежу коллегам, друзьям, людям, которых никогда в жизни не видел. Публика помогла мне стать тем, кто я стал, публике я обязан, что стал актёром Флорином Пьерсиком, публика меня толкала вперёд. Она меня видела играя на сцене, и в кино. Кто-то спросил у меня однажды, что я люблю больше, театр или кино? Конечно же, театр. И я его люблю, потому что театр похож на то, что со мной происходит сейчас, люди видят друг друга с близкого расстояния. Я хочу сказать лишь то, что я принадлежу вам, Публике, публика — это мой пульс и моё зеркало. Если бы не публика, мы были бы никем».

На протяжении 5 десятилетий кинематографической карьеры, Флорин Пьерсик снимался в совместных международных фильмах «Семь парней и одна проказница», «Красивые каникулы», «Битва за Рим», и в румынских картинах, принадлежащих всем кинематографическим жанрам, от драмы до комедии, от исторических картин до триллеров, снятых такими режиссёрами, как Савел Стиопул — «Близко к солнцу», «Приключения на Чёрном море», «Странный агент», Франчиск Мунтяну — «Новый путь», «Тоннель», «Рыжий», Мирча Дрэган — «Взрыв», «Братья Ждеры», «Штефан Великий — Васлуй 1475 год», «Гнездо саламандр» – Серджиу Николаеску — «Михай Храбрый», Мирча Мурешан — «Пинтя», «Лебедь зимой», Джео Сайзеску — «Я, ты и Овидий» или Вирджил Калотеску «Последняя граница смерти», «Сеть «С».

Параллельно, актёр укрепил своё положение кумира благодаря таким ролям, как «Ангел Шаптекай» из серии фильмов о гайдуках режиссёра Дину Коча «Гайдуки Шаптекая», «Неделя сумасшедших», «Придание принцессы Ралу» и «Мэрджелату» в приключенческих фильмах «Жёлтая роза», «Путь костей», «Тайны Бухареста», «Серебряная маска», «За всё надо платить», «Бюрюзовое ожерелье». Последние роли для большого экрана актёр сыграл в экспериментальных и независимых производствах «Фикс Алерт» и «Эминеску проив Эминема», снятые сыном актёра, Флорином Пьерсиком младшим.

В период
17 марта – 17 апреля этого года в Бухаресте проходит третьи выпуск Фестиваля LIKECNDB, мероприятие
организованное и проводимое Национальным центром танца Бухарест – CNDB. Под
названием «Неопределимое» фестиваль объединяет гибридные формы спектакля также
как и связанные мероприятия, так называемые «сиротские формы», полученные в
результате объединения разным видов искусства.

Вава
Штефэнеску, директор Национального центра танца Бухарест объясняет:

«Почему
«Неопределимое»? В первую очередь, потому что в этом году исполняются 100 лет
движению ДАДА, который является одним из самых сильных течений авангарда. В
этом духе, Национальный центр танца Бухарест признает свою силу, свои знания.
На протяжении всей своей истории, со своего создания Национальный центр танца
Бухарест предлагал идеи вышедшие из норм, которые разрушили все каноны, которые
толкнули мышление к спектаклю и способам построения спектакля.

А в
последнее время все мы знаем, что артисты вокруг нас имеют очень разные идеи,
которые невозможно включить в одну лишь категорию. Танец тоже больше не
представлен в одиночку. Представления являются более комплексными, они имеют
более одного дискурса в своих высказываниях».

Среди
спектаклей, включенных в категорию «Неопределимое», которые Национальный центр
танца Бухарест представил в этом году числится и «ОНА хороший парень», текст и
постановка Еуджена Жебеляну, в основе которого лежал документальный фильм
«Родика хороший парень». Цель проекта состояла, согласно его автору, в создании
представления на тему отсутствия социальной терпимости по отношению к
персонажам, включенным в меньшинства, чтобы повысить чувствительность общественности
по отношению к негативным последствиям нетерпимости, дискриминации или хотя бы
для того чтобы поднять вопросы для дебатов. Главную роль в спектакле исполняет
актер Флорин Каракала:

«Речь
не идет о театральном представлении, или о спектакле танца. Это суть истории
персонажа Родика в документальном фильме на эту тему, рассказывающий историю
мальчика из села Розавля, в Марамуреше. Родика, хотя это женское имя, в
реальности парень, транссексуал. Что нас шокировало в селе Розавля, это то, что
об этом парне у всех очень хорошее мнение. Я считаю, что это должно быть
примером для всех. Если спросить в селе, то вам скажут, что Родика отличный
парень, он ухаживает за животными, поет на свадьбах, на крестинах. Все любят
Родику из села Розавля. В спектакле использованы несколько кадров из
документального фильма, несколько из заявлений парня Родика, и они были
включены в спектакль. Даже если спектакль не расказывает о документальном
фильме, он рассказывает только о персонаже Родика, он представляет связи между
главным персонажем и окружающими, тема ясна. Это гендерная идентичность,
трансгендерность, но и вопросы законодательства в данной области в Европе».

Спектакль
«ОНА хороший парень» был создан в городе Клуже и тоже из Клужа приехал на
Фестиваль LIKECNDBи
перформанс – концерт «ParentalCTRL», созданный
Ференцом Синто, эклектическим артистом, который тоже включен в категорию «Неопределимое»
Фестиваля танца:

«Этот
спектакль был приглашен и в Национальный центр танца, но и в другие театры…Это
как с меньшинствами. Если ты входишь в состав меньшинства, у тебя есть шанс
войти в состав большинства. У тебя есть в распоряжении эта гибкость. А это
значит больше чем быть одним. я еще ищу свою форму, которая представляла бы
меня, мой жанр, но пока что эта форма, которая является очень разплывчатой, мне
подходит, пока что мне нравиться эта форма «неопределенного». Название только
идея. Мы не задались целью сделать спектакль о родительском контроле или о
больших разрывах в отношениях родителей и детей. Из этого мы исходили и начали
развивать и обобщать. Во всяком случае, я надеюсь, что зритель спектакля
посмотрит немного в зеркало и подумает о том, что он видит там, но и зайдет
дальше, подумает об очень личных аспектах. У каждого человека своя история и
свои истории….»

И тоже
в рамках третьего выпуска Фестиваля LIKE CNDB прошла
премьера спектакля Андреи Давид «Обнаженная брюнетка», одно из самых сильных,
но в тоже время чувствительных и хрупких представлений, как заявил Вава
Штефэнеску. Спектакль является результатом стажа работы автора на фабрике
кисточек в городе Клуже. Спектакль был создан в сотрудничестве с Национальным
центром танца в Бухаресте. Андрея Давид является перфомером и архитектором, а
две стороны ее личности объединяются в спектакле «Обнаженная брюнетка»:

«Я
очень много работала с волосами. Поэтому и название было выбрано такое
«Обнаженная брюнетка». Я часто задавалась вопросом, какова связь между
волосами, которые тесно связаны с женской идентичностью, и обнаженным телом,
которое на картинах всегда представлено с головой. Никогда обнаженное тело не
представлено без головы. И я подумала, я если мне поработать на этими двумя
планами по отдельности. Волосыитело. Люди,
которые видели спектакль, сказали, что он явно сделан архитектором. Может быть
речь идет о связи, которую я имею с предметами, которые представлены на сцене.
Речь идет о том, как исполнитель, перформер строит и интегрируется в
собственную постройку и сценическую постановку. И тогда, он использует
предметы, которые создают художественное, картинное представление и
композицию».

Интересы
артистов и перфомеров сегодняшнего дня, в Румынии, как и во всем мире,
становятся все более разнообразными. И ФестивальLIKE CNDB 2016
задался целью отразить это явление. В данном, третьем выпуске фестиваля,
Национальный центр танца Бухарест принял на себя прогрессистский дух, продолжая
продвигать критическое и новаторское мышление, также как и эксперимент. А
публика Национального центра танца Бухарест становится все более разнообразной,
от года в год.

По приглашению известного литературного сайта, более 7000 румынских читателей назначили «Соленоид» Мирчи Кэртэреску, вышедший в 2015 году в издательстве Хуманитас, лучшей румынской книгой 2015 года. В ноябре 2015 года прошла презентация романа на книжной ярмарке Гаудеамус, и вскоре она стала культовой книгой, признанной как таковой и читателями, и критиками, которые посвятили ей обширные статьи. «Соленоид — несравненная книга даже в творчестве Мирчи Кэртэреску. Это портрет артиста в зрелом возрасте, где он использует всё, начиная с искусства и письма, и где пытается всей силой разума разрешить огромную загадку мира. Красота заключается в том, что он пытается это сделать после того, как доказал самому себе, через теорию о постоянно растущем количестве размеров мира, что это невозможно, и что никак нельзя добиться этого. Однако в романе, Морфею, богу сна, кажется, приходит на помощь его отец Гипнос, и создаёт для читателя совершенно особенный морфийной-гипнотический эффект, как будто, на самом деле, стена нашего ограничивающего мира разрушилась и замечательная настоящая дверь открылась «на воздухе». Это цитата из хроники писательницы Иоаны Пырвулеску, посвящённой роману Соленоид, презентация которого пройдёт вскоре и в городе Тимишоара, на ярмарке Букфест, и где писатель Мирча Кэртэреску будет почётным гостем. Иоана Пырвулеску:

«Для меня самый подходящий ключ к пониманию этой книги, которая, больше чем другие книги автора, превращается в поэтическое искусство, но и в эстетику жизни — это сон, мир сновидений. Сон — как для автора дневника, которым является Мирча Кэртэреску, так и для всех его «я», основанных на фикции, ключ, который может открыть ему дверь к другому миру. Это онирическая жила книги кажется неисчерпаемой, – она иногда беспощадная, ужасная, порой нежная, и переносит тебя в сказочные или исторические миры. Есть, например, замечательный спуск во времени, возврат к пещерному человеку, или возврат к другим мирам. В Соленоиде присутствуют ошеломительные образы, связанные с этой онирической жилой, единственной, которая может тебе помочь понять «потустороннее», понять что-то из этого мира. Есть ещё что-то, помимо истории со сновидениями, с онирическим планом, который захватывает всю книгу, превращаясь в поэтическое искусство. В этой книге Мирчи Кэртэреску находим больше, чем где-либо в творчестве автора, теорию, что ответы можно искать только в себе. Эта книга — своего рода обширная философская поэма, её можно ставить рядом с великими философскими поэмами мира, но, одновременно, и это удивительная новость в литературе Мирчи Кэртэреску, – это повествовательный роман, очень хорошо построенный.»

«Я хочу написать отчёт о своих аномалиях. В моей тёмной жизни, вне всякой истории, и которую только история литературы смогла бы зафиксировать в своих классификациях, произошли вещи, которые никогда не происходят, ни в жизни и ни в книгах. Я бы мог написать о них романы, но роман волнует и придаёт неоднозначности смыслу произошедшему. Я смог бы оставить их для себя, как до сих пор. Я думаю о них до треска в голове, каждый вечер, когда сворачиваюсь калачиком под одеялом, пока дождь стучит яростно в окна. Но я больше не хочу держать их только для себя. Я хочу написать отчёт, хотя пока не знаю, как это сделать, и что я буду делать с этими страницами. Не знаю даже, если время подходящее для этого. Пока я не пришёл к какому-либо выводу, мои действия — неясные сверкания на банальной гладкости самой банальной жизни, маленькие трещины, небольшие оплошности. Эти бесформенные формы, намёки и инсинуации, несчастные случаи, иногда незначительные сами по себе, но которые, вместе взятые приобретают что-то чужое и навязчивое, и они нуждаются в форме, новой или необычной, чтобы их рассказать. Не роман и не поэма, потому что это не фикция, или не полностью фикция, не коллективное исследование, потому что многие из моих действий — своеобразия, которые нельзя изобразить даже в лабораториях моего ума.» так представляет Мирча Кэртэреску свой роман «Соленоид». Мирча Кэртэреску:

«В этой книге я заботился о читателе больше, чем во всех остальных моих работах, читатель — очень важный, он центральный для этой книги. И взгляд читателя всегда был в моём уме, пока я писал Соленоид. Как заметила Иоана Пырвулеску, это построенная книга, это не книга неясных воспоминаний, нечётких галлюцинаций, хотя они тоже включены в неё. Конечно, это онирическая книга, потому что для меня нет никакой разницы между сном и действительностью, между сном и галлюцинацией, между сном и сумасшествием, между сном и поэзией, между действительностью и поэзией. На самом деле мы все живём и днём и ночью в этой благословенной действительностью. Поэтому, я бы сказал, что одна из главных тем книги — это реальность. Что такое реальность, что означает этот концепт, что значит действительность. Когда мы обычно говорим о действительности, нам кажется, что это что-то очень простое, но, на самом деле действительность — одна из самых сложных конструкций нашего ума. Действительность — в нашем уме, вспомним лишь, что «Бедный Дионис» Михая Эминеску начинается с медитацией о действительности.»

Книги Мирчи Кэртэреску получили премии Румынской академии, Союза писателей Румынии и Республики Молдова, Министерства культуры, Бухарестской ассоциации писателей. В 2005 году роман Ностальгия получил литературную премию имени «Джусеппе Ачерби», Кастел Гоффреддо, Италия. Автор также лауреат Международной литературной премии в Виленице — 2011 г., Международной литературной премии Haus der Kulturen der Welt“, Берлин 2012 г., Премии Spycher — Literaturpreis Leuk, Швейцария (2013), Главного приза Международного фестиваля поэзии в Нови Саде (2013), Премии Tormenta en un vaso, Испания (2014), Премии Euskadi de Plata, Сан Себастиан (2014), Премии книги за европейское взаимопонимание города Лейпцига 2015; Государственной премии Австрии для европейской литературы 2015 г. Согласно букмекерским конторам в последние годы Мирча Кэртэреску числился также среди фаворитов для Нобелевской премии за литературу.

Дебаты на тему «Женщины в публичном пространстве» прошли на прошлой неделе в книжном магазине Хуманитас Чишмиджиу в Бухаресте, – в рамках мероприятия, организованного ПЕН Клубом Румыния. Приглашёнными были Магда Кырнечь, председатель ПЕН Румыния, а также писательницы, журналистки м переводчицы Светлана Кырстян, Адина Диницою, Иоана Былдя Константинеску и писатель, переводчик и публицист Богдан Гиу. Ссылаясь на дебаты, предложенные ПЕН клубом, мы пригласили Светлану Кырстян и Адину Диницою рассказать нам о положении и возможностях писательницы в румынском публичном пространстве. Светлана Кырстя — автор сборников поэзии «Цветок тисков» (Издательство Картя ромыняскэ, 2008) — завоеватель главных румынских литературных призов и «Гравитация» (Издательство Трей, 2015 ), номинированного на премии Радио Ромыния културал и журнала Культурный обозреватель. Литературный критик, культурный журналист и переводчик с французского, редактор журнала Культурный обозреватель, Адина Диницою сотрудничает с журналами Ромыния литерарэ, Дилема веке, Дилематека, а также с радиостанцией Радио Ромыния културал. Она — автор книги «Проза Мирчи Неделчу. Силы литературы перед политикой и сметрью», издательство Тракус Арте, 2011. Мы спросили у двух приглашённых, как они относятся к своему положению писательниц в публичном пространстве.

Светлана Кырстян: «У меня в голове статья из Scottish Pen, которую я прочитала недавно, и которая как навязчивая идея, потому что я там нашла данные. Словом, используя данные и цитаты, автор статьи пришла в выводу, что действия, предпринятые мужчиной — представительные для человечества, в то время как действия женщины остаются представительными для женщины. Другими словами, то, что пишут мужчины — представительно для всего человечества, а то, что пишем мы, женщины — представительно только для женщин. Автор статьи ссылается и на конкретный случай: писательницу, которая отправила 100 сообщений разным издателям, вместе со своей рукописью. 50 сообщений были отправлены от своего имени, а 50 от имени мужчины. Как женщина автор она получила 7 ответов, а как мужчина — семнадцать. Вы сами подумаете, показательна ли эта ситуация или нет.»

Адина Диницою: «В общем, литературная критика — это зона власти в пространстве литературы, литературные критики, через выступления о литературе, одобряющие или нет определённый текст, являются также авторами акта культурной силы, и устанавливают себе определённое место в литературной иерархии. Я дебютировала с невиностью человека, пишущего о литературе, занимающегося критикой, не задумываясь о своей гендерной идентичности. В тот момент я попыталась не обращать внимания на гендер, мне показалось, что так естественно, что это первый шаг к нормальности критического и литературного выступления. Мне очень хочется, чтобы мы говорили естественно, как женщины и как мужчины, без необходимости, чтобы мы, женщины, боролись за своё дело, чтобы не чувствовали себя маргинализированными в публичном выступлении, чтобы не чувствовать себя маргинализированными даже по той причине, что нам выпадает слишком большая доля политкоректности, когда мы находимся в публичном пространстве.»

Снова Адина Диницою о потери невинности после момента дебюта:

«После дебюта я поняла, что не всё так просто. И была вынуждена принимать во внимание гендерную идентичность, поняла, что я женщина, не только литературный критик, и что это создаёт для меня больше препятствий, чем я думала. Я не обязательно почувствовала себя маргинализированной, но осознала, что я литературный критик, но у меня в то же время женская идентичность, и это осложняет дела в публичном пространстве идей, и особенно в Румынии, где более традиционный климат. На днях я читала, что в 2015 году, в европейских показателях гендернового равенства, Румыния занимает последнее место, это исследование, проведённое на европейском уровне. Выводы были, что весь ЕС находится лишь на полпути в этой борьбе за гендерное утверждение, за уравновешенное общественное представление о женщинах и мужчинах. Так, что в данный момент я должна больше бороться как женщина, чтобы мои слова были услышаны.»

Светлана Кырстян:

«Я думаю,что даже не нужна маргинализация. Достаточны ярлыки, потому что это очень тонкая манера — я бы не назвала бы её всё-таки извращённой, – избегать прямой маргинализации, против которой намного проще бороться или указать на неё пальцем. Речь идёт об ярлыках, о предубеждениях, концептах, с которыми мы работаем, очень часто приходящих из зоны литературной критики, которая есть зона власти.»

Так как наша беседа только что в начале пути, она остаётся открытой. Как говорит Михаела Урса в «Диване писательницы» (Издательство Лимес 2010):

«Важно увидеть, если с точки зрения самопроекции, писательницы из Румынии воспринимают себя гармонически или антагонически, и, главным образом, кажется ли им необходимым разыскивать проблемы между их личным и публичным существованием, между творчеством и бытом — отношения, которые обладают бесконечными ньюансами и сложностями.»

Сейчас уже очень многие знают, что полнометражная
венгерская кинокартина «Сын Саула» завоевала в этом году премию Оскар в
категории лучшего иностранного фильма, кроме других 43 премии и 37 номинаций.
Уже некоторое время румынская пресса уделяет особое внимание фильму, потому что
среди актёров числится Левенте Молнар – исполняющий роль Абрахама Варшавски,
лучшего друга главного героя, Саула Ауслендера.

Левенте Молнар родился 10 марта 1976 года в городе
Бая Маре и является актёром Государственного венгерского театра в городе Клуж
Напока с 2002 года. До того, как завоевать премию Оскар, фильм «Сын Саула» уже
получил главные призы в Каннах, на кинофестивале Золотой Глобус… После
стольких успехов, Левенте Молнар старается не терять голову:

«Все изменения, произошедшие в моей жизни,
связанные с друзьями, с людьми вокруг меня. Сильно связаны с моей работой. Эти
моменты уже прошли… Канны, Глобусы…, теперь речь идёт об Оскаре… это лишь
моменты. Не вижу почему они должны меня изменить. Это лишь недолговечные
моменты радости. Они не с неба свалились, и не я главный «виновник» этого, а
режиссёр. Это работа в команде, я тоже принимал в ней участие. Нельзя сказать,
что это не придаёт мне силы, или, что не помогает легче пройти через трудные
моменты…, но и эти чувства пройдут а то, что мне помогает не терять голову,
это работа и то, что я люблю работать. После всего, что сейчас происходит,
после этого красивого сумасшедствия, включающего реакции людей на нашу работу -
приходит обычный день, нормальный, обычный, повседневний. Потому что жизнь -
это же не постоянный праздник.»

Левенте Молнар связан с миром фильма ещё со
студенческих лет. На самом деле, он и сейчас иногда снимается в студенческих
короткометражных фильмах, потому что ему нравится встречать новых людей. С
самого начала он разделдил свою карьеру между театром и фильмом.

«Я могу существовать в обеих сферах. Я люблю и
театр, и фильм. Каждый предлагает что-то другое. Театр предоставляет актёру
шанс погружения, в оптимальных условиях, во-первых внутри себя, потом ещё есть
любопытство в связи с коллегами, сотрудничество, возможность работать вместе со
коллегами, любопытство по поводу вызовов со стороны режиссёра, принятие общих
целей, тщательная лабораторная работа -всё это – специфика театра. Ты можешь
немного лучше познать самого себя. В фильме ты более одинокий, в определённый
момент даже во время подготовки. Не всегда есть шанс таких интенсивных
репетиций, глубоких, как в театре. И требует кино от тебя большую дозу доверия,
продуктивности, способности приспосабливаться… Театр – больница, а кино -
скорая помощь. А операция должна проходить на том же уровне. Скорая помощь в
движении, иногда на крутых поворотах…»

Как актёр, сотрудник Государственного
венгерского театра в городе Клуж, Левенте Молнар имел возможность работать с
разными режиссёрами, которые оставили отпечаток на его карьере, однако, одна из
встреч была особенной:

«Человек, который
обеспечивает меня кислородом в этой среде, которого я «обвиняю», что с первой
наши встречи у меня есть какое-то дело до театра… даже не знаю, как
сказать… работать вместе с режиссёром Силвиу Пуркэрете для меня каждый раз
глоток кислорода. И это начиная с
«Невестки Пантагруэля», когда мы работали впервые, или в GianniSchicchi , или в «Виктор или дети у власти» – это
спектакли, в которых я играл. И у меня есть такой опыт, что существует человек,
возле которого я чувствую себя свободным, люблю заниматься театром, он меня
провоцирует думать определённым образом, который даёт мне свободу, и я
чувствую, что впролне безопасно ошибиться».

Профессиональная жизнь Левенте Молнара – это не
только актёрство в театре и кино.

«Кажется, у меня есть организаторская жилка и это
меня направило к Международному кинофестивалю Трансилвания. У меня несколько
небольших проектов, которые я реализую в рамках фестиваля. Это два проекта,
близкие для моей души. Первый – Mănăştur Open Air.
Когда
я переехал жить в служебную однокомнатную квартиру театра, которая находится в
городе Клуж, в квартале MănăşturПод Лесом, я увидел зелёное пространство
позади дома. И это пространство – причина, почему я остался там. И красивое
сумасшедствие Тудора Джурджу и Оаны Джурджу, людей, там работающих, заключается
в том, что они приняли этот вызов и уже несколько лет мы показываем фильмы там,
наверху, в Mănăştur, под открытым небом. И люди приходят. С моим
коллегой по театру, Ароном Димени мы когда-то мечтали о чём-то, и наша идея
была принята. Она называется «10 за кино». Надеемся, что мы предоставили людям
новый опыт, встречи, и люди обогатились. Мы очень много работаем, чтобы
предоставить им этот шанс.»

Программа «10 за кино» задаётся целью продвигать
новые лица в румынское кино. 10 из самых талантливых актёров театра
представлены ежегодно в рамках кинофестиваля Трансилвания профессионалам мира
кино и публике. Кроме этих двух проектов, включённых в Международный
кинофестиваль Трансилвания, в рамках того же фестиваля Левенте Молнар, если
необходимо, осуществляет также синхронный перевод. Более того, он ответственный
за производственную часть Международного фестиваля театра «Интерференце»,
организованном Государственным вергерским театром города Клуж. Он рабоатет
также в кино сотрудничая среди прочих, с режиссёром Адрианом Ситару в картине Fixeur и с Раду
Михэиляну в полнометражном фильме Historyoflove, права на показ которого были недавно
проданы на Кинофестивале в Берлине нескольким дистрибьюторам со всего мира.

Выставка, посвящённая дадаизму, была открыта в АРКУБ — Культурном центре города муниципия Бухарест, на улице Габровень, в историческом центре столицы Румынии. Выставка под названием TZARA.DADA.ETC, была реализована Эрвином Кесслером и включает предметы из коллекции семьи Эмилиана Раду, и является самой широкомасштабной ретроспективой творчества и публикаций Тристана Тцары, организованной когда-либо в Румынии. В то же время — это первая выставка на международном уровне, представляющая большую часть поэтического творчества первого издания Тцары, иллюстрированного знаменитыми художниками мира. Мероприятие также отмечает инаугурацию Кабаре Вольтер и рождение движения Дада в Цюрихе 5 февраля 1916 года. Среди самых известных дадаистских текстов Тристана Тцары,- La Première Aventure céleste de Monsieur Antipyrine (1916; Первое небесное приключение месье Antipyrine) и Vingt-cinq poèmes (1918; 25 стихотворений), а также манифесты движения Sept manifestes Dada (1924; Семь манифестов Дада). Его взрослые работы начинаются с LHomme approximatif (1931; Приблизительный человек) и продолжаются с Parler seul (1950; Разговаривая с самим собой) и La Face intérieure (1953; Внутреннее лицо). Эрвин Кесслер, автор выставки TZARA.DADA.ETC.

«То, что молодой человек, уехавший из Бухареста в 1915 году, в ноябре, 5 февраля 1916 года уже вступил прямо на большую сцену международного искусства, которую сам же создал — великое достижение. Таковы сами тезисы выставки — то, что дадаизм был создан в круговороте вдохновения в начале 1916 года, а Тристан Тцара, вместе с Марчелом Янку и Артуром Сегалом, все родом из Румынии, из Бухареста — создали дадаизм через этот необычайный импульс. На выставке в Аркуб мы представляем почти 100 предметов из коллекции Эмилиана Раду, коллекционера из Бухареста, который посвятил последние годы этой тщательной и весьма дорогой деятельности, собранию внушительной папки Тристан Тцара и ДАДА. Это уникальные предметы, и некоторые из них никогда не были выставлены, даже на международном уровне, хотя являются очень важными, как, например, письмо Тристана Тцары,адресованное Андре Бретону в июле 1919 года, очень важное письмо, написанное на страничке, вырванной из своего первого сборника «Двадцать пять стихотворений». В этом письме он готовит свой приезд в Париж, и, одновременно, переезд Дадаизма из Цюриха в Париж.»

На пике славы, Тристан Тцара принимает решение уйти из общественной жизни. В интервью для своего друга из города Брэила Иларие Воронка, опубликованном в известном авангардистском журнале «Интеграл», Тристан Тцара признавался: «Пишу, чтобы открывать людей. И, действительно, я открыл людей, но они меня так разочаровали, что это основание полностью исчезло, как иней, из моего поля зрения, из моих занятий. То, что предмет моего разочарования является и сегодня таким, что, я думаю, заслуживает особого внимания, лишь усиливает мою грусть. Я понял, наконец, что остальные писали, если не для того, чтобы возвышаться, с социальной точки зрения, то, хотя бы для того, чтобы создать себе депозит в банке отношений, который в определённый день откроит для них дверь Академии, которая меня ничуть не интересовала. Я продолжаю писать для себя, даже для текущего момента, и, не находя других людей, постоянно ищу себя. Вопреки распространённым неправдоподобным слухам, согласно которым Дада умерло из-за отставки некоторых, я сам убил Дада, по своей воле, потому что считал, что состояние индивидуальной свободы превратилось в конце концов в коллективное состояние, и что различные «президенты» начали чувствовать и думать одинаково. И нет ничего более неприятным для меня, чем лень ума, которая сводит на нет индивидуальные движения, будучи очень близкой к сумасшествию и противной общему интересу». Конец цитаты. Ервин Кесслер, автор выставки TZARA.DADA.ETC.

«Действительно, он был очень разочарованным, и в связи с этим разочарованием, могу представить вам другое исключительное письмо из этой коллекции, которая выставлена здесь, письмо, адресованное Тристаном Тцарой простому бюрократу из французского бюро прессы, который собирал информацию о дадаизме. Когда, в 1928 году этот чиновник отправил ему папку о ДАДА, Тристан Тцара ответил с глубокой грустью, что не хочет больше ничего получать о ДАДА и дадаизме, а только то, что имеет отношение к ему самому. Из-за этого разочарования он отключился от дадаизма, своего создания. Потому что дадаизм был предприятием- предприятием по взаимодействию, по общению, социальному и на самом деле и уникальной политикой. И на протяжении этого предприятия, следуя этому предприятию, я открыл Тристана Тцару. Я не открыл его сейчас, работаю уже лет пять-шесть, ищу информацию о Тристане Тцаре, я опубликовал множество текстов о нём ,в том числе за рубежом, в США, об его способности творить из ничего — это течение невероятных масштабов. Потому что в данный момент неодадаизм — одно из течений, вносящих свою долю в современное искусство.»

Выставка TZARA. DADA. ETC, открытая в Бухаресте до конца апреля, включает оригинальные работы графики таких знаменитых авангардистов, как Андре Бретон, Пабло Пикассо, Генри Матисс, Жоан Миро, Соня Делоне, Макс Эрнст, Альберто Джакометти, Ив Танги, Жан Арп и Марчел Янку, художественные книги и исторические авангардистские публикации, афиши дадаистких мероприятий в период между мировыми войнами, а также внушительную коллекцию фотографий, изображающих Тристана Тцару на всех этапах его жизни. Выставка входит в серию мероприятий, связанных с кандидатурой Бухареста на звание Европейской столицы культуры в 2021 году, действие, инициированное и координированное АРКУБ.

После 1990 года, наряду с другими секторами культуры, румынская литература для детей также познала моменты регресса. Оригинальные книги на румынском языке больше никто не писал, а переводы, которые, постепенно, заняли рыночную нишу для маленьких, не всегда были хорошего качества. Положение продлилось примерно до 2008-2009 гг., когда, как книги для детей на румынском языке, так и качественные переводы начали умножаться. Переводчик с и на английский язык Флорин Бикан является также писателем прозы и стихов для детей. Вот как объясняет Флорин Бикан положение детской литературы в Румынии:

«Я считаю, что в годы после 1990, во первых румынские издатели не желали публиковать детскую литературу. Румынские писатели, столкнувшись с отсутствием просьбы, заблокировали, в свою очередь, предложение. Но, со времением, издательства, по просьбе публики, и публика, пришедшая в контакт с переводами детской литературы, начали открываться и к местной литературе данного жанра. Было такое время, примерно до 2000 года, когда румынская литература для детей серьёзно страдала. Парадоксально, но до 1989 года, вопреки запретам и сложностям тогдашнего периода, у нас была детская литература, которая, правда, в последние годы меньше издавалась, но, можно сказать, что в те времена этот жанр воспринимался очень серьёзно. После 1990 года, детская литература не вызывала ничего кроме безразличия. Правда, появилось много переводов, и это было тоже хорошо».

К сожалению, не все переводы были качественными. Многие издательства, в гонке за прибылью, публиковали и не совсем хорошие переводы. Но это произошло в том числе из-за нежелания признанных румынских писателей посвящать себя литературе для детей. Флорин Бикан:

«Существует уверенность, что писать для детей очень просто, но это считают главным образом те, кто не пишет. Многие думают, что нет ничего проще, чем писать для детей. Трагедия заключается в том, что некоторые из тех, кто утверждает это, пишут. И хуже всего то, что, в конце концов эти книги публикуются. Но есть и другая категория авторов, которым кажется трудно писать для детей. Как-то нужно вызывать вдохновение. Может быть, лучше посмотреть внимательнее вокруг, посмотреть на детей, почитать больше детской литературы и читать её с удовольствием ребёнка. Возможно, у некоторых из нас ещё свежие воспоминания детства, а это помогает писать.»

Так или иначе, контакт с детьми является существенным. Общение с собственным ребёнком стало главным стимулентом, побудившим Сынзиану Попеску писать для детей. В 2009 году её книга «Путешествие Влада в мир иной» получила приз «Ассоциации бухарестских писателей», в разделе детской литературы — приз, который уже много лет никому не присуждался. «Путешествие Влада в мир иной» был лишь первым томом в серии «Андиланди», так как для Сынзианы Попеску писать книги для детей не представляет никаких трудностей.

«Я начала эту серию где-то в 2002-2003 гг., когда мой мальчик был малениким, и я сделала это с намерением оставить ему что-то в наследство и представить таким образом и существа из нашей мифологии, потому что супергерои на которые стоит обратить внимание есть в том числе у нас… В то время дети читали много книг фэнтэзи из англо-саксонской литературы — кстати, очень красивые, я их тоже читала, но я подумала, что мы тоже можем что-то доказать и показать, наши мифологические существа ведь тоже весьма интересные. Я не задавалась целью кого-то чему-то научить, просто мне хотелось написать приятную и интересную сказку. Если в ней есть мораль, я попыталась её отфильтровать. Не обязательно её скрыть, но хотелось, чтобы она не воспринималась как такова, потому что, как правило, дети отклоняют назидательные намерения».

Тоже во избежание назидательских нот, но и чтобы повеселить детей, Флорин Бикан написал одну из своих книг — нон-конформистский пересказ румынской сказки Харап-Алб, используя язык, может быть намного более городской, чем ожидали родители. Флорин Бикан:

«Все эти идеи возникли у меня в ходе бесед с моим сыном, которому сейчас уже почти 30 лет — когда, если я замечал, что какой-то текст ему кажется неинтересным, я пытался оживить его. Я это постоянно делал для своего сына: брал известный текст и пытался поставить его с ног на голову. Я коллекционировал его реакции и их было множество. Дети приняли книгу без оговорок и я был ошеломлён открытием, во время разговоров с ними, что их совсем не удивили нон-конформистские термины, которые, как правило, не присутствуют в классических текстах. Они следили лишь за сказкой и результат был тот, который я ожидал. Для них было ясно, что персонаж, разговаривающий на неприличном языке — смешной и, в конце концов ему придётся за это отвечать. Они почувствовали также пародию. Что, однако, нельзя сказать о всех родителях и учителях.»

Несмотря на то, что в последние годы выходят всё больше румынских книг для детей, Сынзиана Попеску считает, что число писателей для детей недостаточное:

«Наш книжный рынок переполнен переводами — некоторые стоящие, другие сомнительного качества. А ещё эти переводы не принадлежат разным жанрам. Налицо всего две категории: современные бестселелры и класики вроде Астрид Линдгрен, Марка Твейна и Беатрис Поттер. Например, мы ничего не знаем о современных шведских писателях. А румынских писателей только несколько, их можно пересчитать по пальцам. Их слишком мало и поэтому румынский рынок неуравновешенный.»

Последняя работа Сынзианы Попеску — небольшой сборник для детей от 3 до 7 лет, вышедшая в двуязычном румыно-шведским издании в шведском издательстве Pionier Press” под заглавием «Машинка-радуга».

Среди детских писателей, которые останутся в истории румынской литературы для детей как работами в прозе, так и в стихах, следует назвать писательницу Пассионарию Стойческу.

Она сильно озабочена будущем румынской литературы для детей, которая, считает писательница, несправедливо оставлена где-то в тени. К сожалению, считает Пассионария Стойческу, Союзом писателей Румынии руководят слишком академические личности, люди, которые, к сожалению, забыли об играх и вкусе детства. Председатель Союза писателей, академик Николае Манолеску признаётся, в одной из своих работ, что он с детства читал книги для взрослых, «высокую литературу». Поэтому он и придаёт это направление нашей литературе, лишая её детства».

После длительного периода проявления и укрепления лирического театра в столице Молдовы, и после ряда попыток признать официально данные усилия, 1 января 1956 года был создан Ясский государственный оперный театр, первый общественный оперный театр в историческом крае Молдовы. Первый сезон дебютировал вечером 3 ноября 1956 года спектаклем «Тоска» Джакомо Пучини, под руководством дирижера Раду Ботез и в художественной постановке Херо Лупеску. В 2003 году, Ясский государственный оперный театр становиться Румынским национальным оперным театром Яссы.

Серия мероприятий, посвященных исполнению 60 лет с создания в Яссах лирической сцены, была открыта 3 февраля этого года спектаклем «Дон Джованни» в постановке Беатрис Ранчя. В перерыве спектакля прошел вернисаж юбилейной выставки «Ясский национальный оперный театр — 60 лет существования», которая содержит фотографии из спектаклей, подлинные афишы и старые буклеты.

Беатрис Ранчя, директор Ясского оперного театра начиная с 2011 года, рассказывает о специальных проектах, посвященных этому юбилейному году:

«Первой премьерой этой вереницы мероприятий будет «королева балета», как мы, балерины, называем «Лебединое озеро». Впервые, в Ясском национальном оперном театре будет представлена совместная продукция Национальным театром оперы и балета имени «Марии Биешу» из Кишинева. 8 и 10 апреля состояться две в равной степени важные премьеры. Вот уже прошло более 15 лет, с момента исполнения на сцене Ясского оперного театра «Лебединого озера», и тем более мы желаем осуществления этой мечты. Постановка и хореография спектакля стоят под подписью заслуженной артиски, Иляны Илиеску. Дирижиром будет Траян Иким, который был признан жюри Галлы премий Национальных оперных театров как лучший дирижер прошлого сезона. Ты откроем осенний сезон 4 сентября новой продукцией, опереттой «Веселая вдова», в исключительной формуле, по тексту написанному специально для этой постановки Андреем Шербан, вместе с Даной Дима. Могу сказать, что исполнители будут большим сюрпризом для публики, также как и новые костюмы, и удивительная постановка Андрея Шербана. Для 3 ноября, в день, когда Ясскому оперному театру исполняются 60 лет, мы запланировали первый показ оперы, которая была первой показанной на нашей сцене, «Тоска», а последней премьерой сезона станет «Турандот», грандиозный спектакль поставленный Александру Дарие, с которым мы сотрудничаем впервые, но имя которого является важным для румынского мира театра и оперы».

По словам Беатрис Ранчя это впервые за 60 дет существования оперного театра, когда на сцене в Яссах исполнена опера «Турандот».

Режиссер Андрей Шербан возвращается в Яссы, после того как в прошлом он поставил здесь «Троянки» композитор Элизабет Свадос, «Галантные Индии» Жана Филлипа Рамо и «Люция ди Ламмермур» Гаетано Доницетти. Приглашение театральных постановщиков создавать оперные представления является частью стратегии управлением оперного театра, которую разработала Беатрис Ранчя:

«Публика уже привыкла к красивым историям и верит в них, и по этой причине, начиная с 80ых годов, на мировом плане, театральные постановщики были приглашены ставить оперные спектакли, чтобы создать то что называется спектакль — концерт, в котором ударение ставиться не только на голосах. Теперь, оперный спектакль развивался. Это театр очень высокого класса, который обращается к публике посредством музыки. Новые, современные постановки не только солюдают характеристики описанные автором, но и требуют исключительного художественного таланта со стороны исполнителей. А наши сотрудники Ясского оперного театра ислючительные профессионалы. У них и очень хорошая физическая форма. К примеру, в спектакле «Люция ди Ламмермур» в постановке Андрея Шербана исполнительница главной женской роли Лэкрэмиоара Хрубару Роатэ не только исключительная вокалистка, но исполняет и трудную драматическую роль, за что она и получила премию за Лушую исполнительницу сезона».

Балет Национального оперного театра сильно повзраслел в последние 5 лет, как говорит Беатрис Ранчя:

«Практически, раньше балет существовал только в эстраде. Оперный театр и театр оперреты имели только два спектакля балета в репертуаре, и в них большинство исполнителей приезжали из Бухареста. И тогда мы попытались воспитать новое поколение балеринов, и хорошо сотрудничали с Лицеем хореографии, еще с младших классов».

Среди хореографов приглашенных в Яссы числятся маэстро Иоан Туджеару и Джиджи Кэчуляну.

Следует отметить, что на протяжении времени на лирической сцене в Яссах выступали великие имени, такие как сопрано Виорика Кортез и Вирджилия Зеани, но и барритон Николае Херля.

Полнометражный фильм «Аферим!» в постановке Раду Жуде получил высокую оценку американской кинокритики

««Аферим!» завораживающий и сильный полнометражный фильм, представляющий храброе видение о прошлом», написала газета The New York Times, после недавней премьеры румынского фильма в Америки. Газета положительно оценила и исполнение главной роли актером Теодором Корбан, отмечая также, что фильм заслуживал включения в список фильмов, отобранных для Галлы премий Оскара в разделе за иностранный фильм.

Считающийся одним из самых широкомасштабных румынских кинематографических проектов последних лет, «Аферим!» — исторический фильм, действие которого происходит в Валахии начала 19го века, когда все цыгане были рабами. Целовальник, роль которого исполняет актёр Теодор Корбан вместе со своим сыном (Михай Комэною) ищет беглого цыгана (Кузин Тома). Фильм был снят в Добрудже, в регионе гор Мэчина и в зоне Джурджиу, а его бюджет составил миллион 400 тысяч евро. Большинство декораций были воспроизведены, чтобы иллюстрировать турецкое влияние. Отсюда и название фильма, «Аферим!», которое в переводе с турецкого означает «браво».

Режиссер фильма «Аферим!», Раду Жуде, рожденный в 1977 году, и снявший свой третьй полнометражный фильм, находится уже в первом плане самых важных деятелей румынской кинематографии после 90го года. Как написал кинокритик Андрей Горзо, «это произведение искусства станет в будущем классикой румынской кинематографии, но сыграет и важную роль в общественных дебатах времени».

Хроника, опубликованная американской газетой The New York Times, хвалит румынский фильм за его красивые черно-белые кадры, описанные как «изысканное упражнение» на тему прошлого, в попытке выявить жестокость и предубеждения, скрытые под видимостью», говориться в той же статье. Об исполнении главной роли в фильме, которая принадлежит актеру Теодору Корбан, американская газета пишет, что она была «воодушевленной и безудержной», «имея характер сильного исполнения Энтони Куинна, но и немного из эксцентричности, свободы исполнения и юмора Джона Уейна, в его последних фильмах», также написали американские кинокритики.

Картина «Аферим!» представлена в кинозалах в США, с 22 января 2016 года. Еще до официальной премьеры, полнометражный фильм Раду Жуде был представлен в ряде специальных событий в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке, в присутствии продюсера Ады Соломон и актера Кузина Тома. Эти специальные показы фильма прошли под эгидой Румынского культурного института и Национального центра кинематографии. Ада Соломон, продюсер фильма «Аферим!» заявила:

«Поездка по Америке, для представления кинокартины «Аферим!» была в тоже время очень изнурительной, но и приятной и интересной, потому что фильм вызвал множество реакций и был воспринят на уровне, превышающим мои ожидания. Я не ожидала стольких проявлений эмпатии и глубины со стороны публики, происходящей из совершенно иной культуры. В особенности, что этот фильм был задуман в контексте местной, румынской, балканской комплексности, как местная тема, с влиянием в особенности на румынскую публику. Тем более, на нас произвел особое впечатление прием фильма в англо-саксонском пространстве. В Лос Анджелесе, на Фестивале Американского института кино, который является по настоящему престижным и популярным среди публики мероприятием, все проэкции фильма прошли с аншлагом, а для нас было реальным удовольствием встретится с публикой. Естественно, в рядах публики были и румыны, проживающие в США, но это играет меньшее значение, так как самые сильные реакции и множество интересных вопросов мы получили именно от американской публики. Мы говорили о ксенофобии, о рабстве, что значила эта травма, и что она значит и сегодня, вопрос в меньшей степени осознаваемый румынским обществом. Я не говорю только о цыганском меньшинстве, я считаю, что все румынское общество обязано призадуматься над этим явлением. В Нью-Йорке мы представили фильм в рамках фестиваля Making Waves — Фестиваля румынского кино, организованного Film Society of Lincoln, а его прием и в рамках этого мероприятия прошел на самом высоком уровне».

Продюсер Ада Соломон ответила и на вопрос, какими были самые интересные вопросы заданные съемочной группе американскими кинолюбителями:

«Вопросы касались в первую очередь существования рабства, и как к этому эпизоду истории относиться сегодня цыганское меньшинство проживающее в Румынии. Мы сами в стране мало знакомы со своей историей, а за Океаном румынская история известна еще меньше. Мало зрителей были знакомы с историческим контекстом, о котором повествует фильм, и о том, что в Румынии рабство существовало несколько сот лет. По этому, много вопросов были заданы в этом направлении. Вопросы американской публики коснулись и проявления ксенофобии и национализма, на которые был сделан намек в фильме. Конечно, были и вопросы на тему передачи менталитета из поколения в поколение, что тоже было важным элементом в нашем кинематографическом дискурсе».

Полнометражный фильм режиссера Раду Жуде «Аферим!» завоевал премию Серебряный медведь на Берлинском кинофестивале 2015 года.

Артист балета, хореограф, и, в последнее время и режиссер Рэзван Мазилу представил два года назад на сцене Немецкого театра в Тимишоаре известные партитуры, такие как «Кабаре» или «Money, Money», в рамках спектакля, который воспользовался огромным успехом у публики, но и в рядах критики, речь идет о мюзикле «Кабаре» Джо Мастероффа. Даниэла Терек и Георг Пеетц были номинированы на Премии Румынского союза театральных деятелей UNITER 2015: Даниэла Терек в разделе «Лучшая актриса в главной роли», за исполнении Салли Боулз и Георг Пеетц в разделе «Лучший актер во второстепенной роли» за исполнение роли Конферансье. Год спустя после спектакля «Кабаре», осенью 2015 года, Рэзван Мазилу представил, на этот раз для бухарестской публике, спектакль кабаре-бурлеск «Mon Cabaret Noir», меньших размеров, созданный в независимом театре, Teatrelli.Рэзван Мазилу говорит:

«В предыдущей жизни, я жил в межвоенный период. Я чувствую влечение к этой зоне представления. По этому меня привлекло и известный спектакль «Кабаре», который я поставил в Тимишоаре. Меня постоянно интересовал этот жанр, я постоянно читаю, документируюсь. Я начал исследования в этом жанре еще с 2001 года, с постановкой спектакля «Голубой ангел», в бухарестском Театре Одеон. Спектакль был поставлен по роману Генриха Манна и по фильму, после которого Марлен Дитрих стала всемирно известной звездой. Тогда я почувствовал, что заинтересован этим жанром. Затем, я встречался с жанром кабаре в спектакле «Продай меня», в сотрудничестве с хореографом Флорином Фиерою, в котором была использована музыка певицы кабаре Эрты Китт, и который был показан в не конвенциональных пространствах. С того момента я обещал себе возвратится в этот мир. Я желаю заниматься этим жанром, потому, что он меня очень хорошо характеризует, и его популярность среди публики доказана. Мюзикл форма спектакля, которая объединяет танец, театр и музыку, в гармонией с чувствительностью сегодняшней публики. Это жанр, который необходим публике, культурной и ознакомленной, которая не ищет только развлечение, а и тип представления, который задает вопросы, порождает проблемы. Так произошло со спектаклем «Мужской стриптиз», поставленным в Национальном театре в Тимишоаре, или со спектаклем «Кабаре» в Немецком государственном театре в Тимишоаре, которые являются историями с изюминкой, историями, из которых публика может извлечь свои выводы».

В мире, в котором телевидения чрезмерно продвигают легкое развлечение, подобная опасность существует и в мире театра. Рэзван Мазилу сумел установить со всеми своими сотрудниками — актерами профессиональное направления для спектаклей:

«В первую очередь, выбранная нами тематика не позволяет впасть в легкое или имеющее сомнительный характер развлечение. Мы избрали темы, в равной степени храбрые и глубокие, настоящие шедевры жанра. Будучи очень хорошо написаны, и хорошо сочинены, а я зная отлично, что я жду от каждого проекта, все это помогает исполнителю, обогащает его способы художественного выражения, так как актер развивается, когда играет в мюзикле, потому что это очень комплексный и разработанный жанр, над которым надо много работать, а я всегда пытался поднять уровень исполнения и виртуозности».

История спектакля «Mon Cabaret Noir» тесно связана с постановкой мюзикла «Кабаре». И это потому, что перед тем как начать работу над известной постановкой, Рэзван Мазилу поехал в Берлин для документации. В поисках теней кабаре прошлых лет, до второй мировой войны, Рэзван Мазилу открыл Аниту Бербер, танцовщицу, хореографа, популярную в 20ые годы актрису, авангардистскую личность, которая сильно вдохновила Марлен Дитрих и Грету Гарбо. Рэзван Мазилу рассказывает:

«Спектакль «Mon Cabaret Noir» является представительным для жанра, рассказывающим о мире межвоенного кабаре, в Берлине 20ых годов, в котором главный персонаж, танцовщица и хореограф Анита Бербер. Это мюзикл, в котором собраны известные и менее известные песни жанра кабаре из всей истории музыки, с 20ых годов и до современности. Я подобрал подходящие песни, которые дополняют драматически историю, которую построил я сам».

Для спектакля «Mon Cabaret Noir», Рэзван Мазилу выбрал четыре очень талантливые актрисы, с сильными личностями, но в тоже время очень различные: Алина Петрикэ, Анка Флореску, Ана Биянка Попеску и Илона Брезояну. Чтобы успешно исполнить роль в мюзикле или в спектакле кабаре необходим талант, но и дисциплина, качества, которые определяют и состав Немецкого театра в Тимишоаре, с которым Рэзван Мазилу работал для спектакля «Кабаре». Хореограф Рэван Мазилу говорит:

«Актер кабаре должен уметь петь, танцевать, быть актером, выступать на сцене, понимать, что речь идет о различном жанре, другом типе сценического выражения. Физическая подготовка актера тоже очень важна, он должен быть способным петь в любой позиции тела. Только будучи храбрым, вызывающим, харизматическим, проявлять открытость он сможет остаться в постоянной связи с публикой. Потому, что ясно, и это часть законов спектакля кабаре, есть постоянная связь между актерами и публикой».

2016 год стоит под знаком личности скульптора мировой известности и румынского происхождения, Константина Брынкуша. Исполнение 140 лет с рождения одного из самых важных деятелей искусства всех времен стало поводом для разнообразных культурных мероприятий, конференций, мастерских, инаугураций проектов по восстановлению и продвижению творчества Константина Брынкуша. Румынский культурный институт в Бухаресте стал организатором прессконференции, которой был отмечен дебют культурных мероприятий года посвященного творчеству Костантина Брынкуша. Матей Стырчя — Крэчун, исследователь Института антропологии имени Франциска Райнера заявил о самых важных мировых инициативах по восстановлению художественного достояния Константина Брынкуша:

«Деятельность центра по исследованию творчества Константина Брынкуша в Тыргу Жиу начинается в момент, когда познание в данной области находится на иной орбите. В 1995 году, прошли две известные ретроспективы Брынкуша, в Париже и Филадельфии, самые важные до настоящего момента, которые отметили уровень познания творчества Брынкуша. В парижском каталоге ретроспективы, Карен Уйлькин, куратор выставки, писала, что творчество Константина Брынкуша продолжает быть непостижимой с точки зрения анализа источников, что нет возможностей определения источников вдохновления, что невозможно определить художественное наследие, и, в конце концов, видение художника. Это фактически признание неуспеха, после десятков лет исследования творчества художника. Это не приводило к снижению видимости или известности художника, а просто определяло отсутствие метода проникновения в инфраструктуру воображения данного творчества».

В Румынии, три десятилетия назад, Институт антропологии имени Франциска Райнера, инициировал в родном городе Константина Брынкуша, Тыргу Жиу исследования касательно выразительности творчества Брынкуша. Характерной чертой художника было выявлено освобождение скульптуры от повторения природы, Брынкуш используя фигуративное представление реальности, при выражении сути вещей, и духовности и жизненности форм. Матей Стырчя — Крэчун, исследователь Института антропологии имени Франциска Райнера говорит:

«В 2005 году были опубликованы архивы Брынкуша, что позволило преодоление опасений критики, которая использовала разные слова, выражения, фразы Брынкуша, сохранившиеся от друзей, и касательно которых существовала неуверенность, что они по настоящему так были сформулированы скульптором. Речь идет о документах, которые переписывают записки из мастерской художника, и которые представляют важные сведения о нем. Я хотел бы подчеркнуть, что, в данные рамки вписывается инициатива Института антропологии имени Франциска Райнера, который вот уже почти 30 лет исследует язык выражения Константина Брынкуша. Предметы искусства являются носителями культурной информации, если в распоряжении есть инструменты по определению и анализу данной информации».

Проект восстановления представления личности Константина Брышкуша посредством монументального ансамбля в Тыргу Жиу принадлежит художнику Михаю Цопеску. В Румынии социалистического реализма, Брынкуш был оспорен как один из представителей буржуазного формализма. Несмотря на это, в декабре 1956 года, в Художественном музее в Бухаресте была открыта первая личная выставка Брынкуша в Европе. Только в 1964 году, в Румынии началось продвижение личности Брынкуша как национального гения, и, в результате этого, монументальный ансамбль в Тыргу Жиу, составленный из «Бесконечной колонны», «Столе молчания» и «Ворот поцелуя» был обустроен, после того как он находился почти на пороге разрушения. Михай Цопеску говорит:

«Я не являюсь фотографом, а инициатором проекта, над которым я работаю уже несколько лет. Речь идет о выполнении около 20 фотографических работ по ансамблю в Тыргу Жиу, черно-белых и цветных, фотографий — документов. Речь не идет ни о художественной фотографии, ни о туристической рекламы. Я буду сотрудничать с тремя художниками — фотографами. Я буду куратором данного проекта. Эти фотографии, принт на алюминие, музейных размеров, желают представить ансамбль в Тыргу Жиу. Это будет возможность посредством ряда выставок фотографии в городах, где путешествовал сам Брынкуш, Будапеште, Вене, Мюнхене, Париже. По инициативе европарламентариев эта выставка будет представлена и в Брюсселе. Эти фотографии будут дополнены и фотографиями из личных коллекций, с реставрацией или до реставрации ансамбля. Эти фотографии остануться в достояние Центра исследования, документирования и продвижения имени Константина Брынкуша, и Румынского культурного института, в будущем будучи организованы и другие выставки».

Признанный как одна из самых больших ценностей мирового скульптурного достояния, Константин Брынкуш выявил духовное измерение реальности, придавая материальные вещи самой сутью вещей.

Накануне
Рождества, по случаю презентации двуязычного сборника «Оперная режиссура, мысли
и образа/Operadirecting, thoughtsandimages, в
рамках встречи с публикой режиссёр Андрей Шербан говорил о силе музыки в жизни, опере и театре. Тексты, вышедшие в
издательстве Немира принадлежат Андрею Шербану, а автором фотографий является
художница Михаела Марин, и это их второй, вместе реализованный альбом.

Михаела Марин:
«Это новый опыт, потому что впервые речь идёт об опере. Люди меня знают,
благодаря моим фотографиям по театру, и все четыре альбома, которые я до сих
пор сделала, были о театре. До недавних пор для меня опера была в первую
очередь равна музыке. Я не думала, что можно сделать книгу с фотографиями из оперы,
посредством которых каким-то образом рассказываешь об опере. Впервые в альбоме
есть и текст режиссёра спектаклей. Это очень интересные тексты Андрея.
Фотография на обложке из оперы «Лучия», и я выбрала именно её, потому что в ней
вы обнаружите Андрея Шербана. Это был сюрприз для всех. Для меня, в том числе,
потому что я находилась в кулисах и фотографировала, но и для певцов на сцене,
которые не знали, что Андрей зайдёт на несколько секунд на сцену. Мне всегда
приятно вспоминать этот момент».

Альбом «Оперная
режиссура, мысли и образа» включает фотографии Михаелы Марин из шести оперных
спектаклей, смонтированных Андреем Шербаном: два в Яссах, три в Париже и один в
Вене.

«Материя музыки
состоит из звуков и тишины», сказал Андрей Шербан на конференции после
презентации:

«Композитор
может интегрировать звуки и тишину, может их объединить. В опере я очарован
тишиной в самом начале. Когда гаснет свет в зале, дирижёр поднимает палочку и
наступает момент ожидания, неподвижности. Это ожидание полное тайны. Во время
репетиций, я пытаюсь уговорить дирижёра продлевать паузы между нотами, особенно
когда на партитуре указано fermata, – момент перерыва, остановки. Но дирижёры опасаются. Они говорят, что
боятся, что зрители станут нервничать, когда между нотами будет слишком много
тишины. Действительно, это молчание очень интенсивно, в ней какая-то срочность,
это активная тишина. Для некоторых тишина означает тревогу, для других – это
утешение.»

Сегодня, автором спектакля является режиссёр, считает Андрей Шербан, а
его отношения с артистами оперы отличаются от отношений с театральными
актёрами:

«Когда я работаю в опере или в больших театрах, я обязан, по контракту,
нравиться, чтобы публике не было скучно. Я должен поддерживать интерес живым.
Моя обязанность – доставить эстетическое удовольствие. Певцы приспосабливаются
к режиссуре более или менее. Они знают, что главное – это голос, а режиссура
может заниматься визуальными эффектами, при этом не слишком их затрагивая. Для
некоторых, чем больше оставляешь их в покое, тем лучше. В теятре дела обстоят
совершенно по иному. Послание спектакля передаётся актёрами. И если они плохо
играют, ничто не работает».

Другой аспект, на который Андрей Шербан хотел обратить внимание – это
тиранство дирижёра, певца-звезды или режиссёра. И всё-таки…

«Академические критики считают, что современная режиссура уничтожает
работу. Я не думаю, что «Травиатту» можно уничтожить. Музыкальная структура
«Травиатты» слишком крепкая. Также «Волшебную флейту» не может уничтожить ни
один режиссёр. Сила музыки торжествует над любой нелепостью режиссёрской
гордыни. В театре всё по-иному, потому что в театре структура пьесы намного
уязвимее. Даже Шекспир и Чехов могут показаться скучными и неинтересными, когда
отсутствует дух, когда режиссёр посредственный.»

«Пока любовь, смерть, радость и страдание являются составляющими
жизненного опыта, пока люди хотят слушать и видеть настоящие драмы,
рассказанные через музыку, у оперы есть будущее», высказывает свой оптимизм
режиссёр Андрей Шербан. Однако, итоги конференции, прошедшей по случаю
перезентации двуязычного альбома «Оперная режиссура, мысли и образа/Operadirecting, thoughtsandimages, были
связаны с театром, искусством настоящего времени:

«Ни одна из преград, проблем или конфликтов,
с которыми я сталкиваюсь в своей жизни, не имеют для меня никакого смысла, если
я не нахожу в них что-то, что может привести к чему-то хорошему,
положительному. Таким же образом я хочу верить в театр, созданный мною. Если
то, что происходит на сцене, заставляет зрителей уйти домой переполненными
горечью, отрицательными переживаниями, ненавистью, это значит, что наша манера
использования театра – очень, очень слабая возможность. Намного слабее, чем та,
пробуждающая страсть, конфликт, в попытке одновременно пробудить в каждом из
нас такие ощущения, как что такое быть сегодня сто процентно гуманными, что
помогает нам уйти домой наполненными новой энергией, свежей и хорошей,
порождающей надежду. В этом смысле – театр – искусство настоящего.»